картина недели Archives - WONDERUUM

Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем”

wonderuum — Fri, 07 Jun 2024 17:29:29 +0000

Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем”

В этот раз предлагаем обратить внимание на картину Йоханнеса Гринберга “Втроем”. Это произведение, созданное в конце 1930-х годов, накануне Второй мировой войны, представляет собой великолепный пример эстонской живописи того времени, для которой характерны высокий уровень и насыщенность новыми идеями. Новые направления от посткубизма до новой вещественности быстро сменяли друг друга. Однако интерес к французскому импрессионизму оставался сильным, и художники продолжали восхищаться тонкостью и мягкостью тонов в работах Пьера Боннара и Эдуара Вюйяра.

Гринберг, получивший образование в свободных академиях Парижа и хорошо знакомый с французским искусством, нашел в этом стиле поддержку для своего творческого переосмысления. Картина “Втроем” 1939 года написана в светлых тонах, а контуры фигур словно растворяются. Желтые, зеленые и голубые оттенки оживляются красным пятном в центре композиции, привлекая внимание к лицам женщин. Темные шляпы создают контраст, добавляя изображению глубины. Особенность этой картины в том, что она написана на фанере, а не на холсте, но благодаря высокому содержанию масла краски выглядят легкими, почти акварельными.

На картине не сразу понятно эмоциональное состояние женщин. Они как будто смотрят в одну точку, но их взгляды обращены внутрь себя, не выражая интереса к окружающему. Несмотря на светлые тона и красоту изображённых женщин, в картине ощущается некое беспокойство или даже напряжение, скрытое за мягкими выражениями лиц. “Втроем” – одна из самых красивых и завершённых работ Гринберга, она отражает его чувствительный и лирический стиль в предвоенный период.

В этот период Гринберг предпочитал композиции с двумя-тремя фигурами, часто изображая женщин или женщину с ребёнком. Театр и актрисы также стали его любимыми темами, что позволило ему передать тонкую чувствительность и лёгкую незавершённость.

Сам Гринберг был человеком с очень тонкой душевной организацией, что нашло отражение в его творчестве. Его называли художником, воплотившим дух времени, хотя он вряд ли мог предвидеть трагедии, которые ожидали впереди. В первые годы оккупации Гринберг продолжал работать и даже был приглашен преподавать в Государственную школу прикладного искусства имени Яана Коорта, где стал популярным педагогом. Однако после войны его художественные интересы не совпали с требованиями нового режима. В 1951 году его исключили из Союза художников и лишили мастерской. Художник покинул город, а его смерть была условно определена на 29 ноября 1951 года.

Текст: Дина Малова

Источники:
“101 Eesti kunsti teost”, Sirje Helme

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу”

wonderuum — Fri, 18 Nov 2022 14:22:39 +0000

Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу”

Что же мы видим на картине Пеэтера Мудиста “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу” (1977)? Человека в зимней одежде, очевидно, ребенка, занятого самым обычным в зимнюю пору делом. С помощью нескольких мазков художник изобразил его в естественной позе, показывающей решительность мальчика. Эта работа лаконична и понятна и не требует дополнительных действий и комментариев. При этом художник выбрал ракурс, с которого перспектива направлена снизу вверх, и мы не можем точно определить, изображен на картине сугроб на обочине дороги или же это большая снежная поляна.

Границы ледяной глыбы размыты, местами она теряет очертания, здесь ускользает ощущение пространства и материальности, а вместо этого полотно равномерно заполнено светлыми оттенками. И именно в этом заключается магия Мудиста. В его работе так много разнообразных оттенков, и на этом фоне выделяется лишь центральная точка – пальто мальчика красноватых оттенков, которое связывает воедино всю картину и выводит фокус на фигуру персонажа.

Однако за изображением этой обыденной ситуации можно увидеть и более глубокий смысл. Точно так же, как мальчишка, бессмысленно пинающий снег от скуки в ожидании трамвая, многие “бессмертные” люди пинают каждый свою кучу льда в ожидании момента своего ухода, не наполняя свою жизнь никаким смыслом.

Пеэтер Мудист (1942 – 2013) – одна из величайших легенд эстонского искусства. Свой особенный стиль живописи сформировался у него к началу 1970-х годов – спустя всего лишь несколько лет после окончания Эстонского художественного института. Этот стиль значительно отличался от всего того, что происходило в мире живописи в то время. Мудисту хватало стойкости быть иным, и эта стойкость обеспечивала ему редкостную внутреннюю свободу.

Изображаемое Мудистом пространство существует на грани реального и нереального. Его стиль даже назвали моделированием воздуха, ведь именно воздух – важнейшая составляющая всех его картин. Он писал как будто “туманные” работы с высокой степенью обобщения, в которых детали не имеют значения. Зато важна роль цвета. У художника была способность растворять цвета друг в друге и избегать острых линий. В то же время с помощью размывания красок и некой неопределенности он мог создавать удивительно точные характеры и ситуации. В этих произведениях нет нравоучений, это лишь рассказанные истории, которые откликаются зрителю на подсознательном уровне.

Стоит отметить, что творчество Мудиста всегда было любимо публикой, а критики в адрес его картин практически не было. Однако в жизни художника не все было так безоблачно. Именно тогда, когда он обрел уверенность в своем творчестве, ему поставили диагноз – болезнь Паркинсона. В течение последних 30 лет он страдал от этого недуга, но все равно продолжал творить и находиться в поиске смысла жизни.

С картинами и скульптурами Пеэтера Мудиста можно ознакомиться на выставке “Пеэтер Мудист – человек, переполненный огнем” в Эстонском национальном музее (ERM) до 15 января 2023 года.

Текст: Дина Малова

Источники:
ERM
“101 Eesti kunsti teost”, Sirje Helme
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991, II”
“Почему стоит посетить выставку Пеэтера Мудиста”, Ирина Данилова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Андрус Йохани “Вид на мост через Сену”

wonderuum — Sun, 18 Sep 2022 15:37:24 +0000

Картина недели | Андрус Йохани “Вид на мост через Сену”

Очевидно, художник Андрус Йохани приехал именно в сырой и дождливый Париж. Именно такой пейзаж мы видим в его работе “Вид на мост через Сену” (1937). На нарисованной гуашью картине со множеством деталей изображен остров Сен-Луи и соединяющий его с правым берегом Сены каменный арочный мост Луи-Филиппа. Возвышающийся над Латинским кварталом Пантеон был хорошо виден из съемной квартиры Йохани. Он отражался в зеркале его комнаты, поэтому художник говорил, что у него целых два Пантеона.

Мост Луи-Филиппа встречается в работах Йохани неоднократно. Как свойственно импрессионистам, на этих картинах меняются времена года, погода и настроение. В коллекции Эстонского художественного музея есть похожее произведение. Париж на нем хоть и тоже дождливый, но уже укутан в зеленую листву.

Художник Андрус Йохани днем и ночью много гулял по Парижу, чтобы как следует прочувствовать этот город. Компанию ему чаще всего составляли график Аркадио Лайго и изучающая юриспруденцию в университете Сорбонна Луизе Сидер. Сидер впоследствии стала собирать произведения искусства, в ее коллекцию вошло порядка 400 работ. Вместе они посещали и легендарное кафе Le Dôme, в котором писатель Генри Миллер любил выпить ликер пастис. Среди завсегдатаев заведения были также Эрнест Хемингуэй, Уильям Фолкнер и Фрэнсис Скотт Фицджеральд.

Однако Йохани все же предпочитал работать кистью или карандашом, а не впустую убивать драгоценное время в кафе. Вдохновленный, он каждый день неустанно рисовал, невзирая на холод и дождь. Художник, конечно, жаловался на то, что от холода его пальцы становятся тяжелыми, но из своих творческих походов он всегда возвращался с “трофеем”. Из-за повышенной требовательности к себе многие его работы летели в мусорную корзину, откуда некоторые были спасены его подругой Луизе Сидер.

Свои впечатления о Париже Йохани описал в своем письме Хандо Мугасто в 1937 году: “Мне уже сложно сказать, сколько я здесь пробыл. Кажется, что время, когда я уехал из Тарту, было очень давно… Я бы не сказал, что мне здесь не нравится. Напротив, я очень доволен. Но, возможно, сейчас я не могу оценить все это в полной мере, а всю важность происходящего осознаю позже, когда однажды вернусь. И дело не в том, что я сам успею что-то сделать за это непродолжительное время. Здесь у меня есть возможность увидеть, что делают другие, и что когда-то сумели создать. Вряд ли какой-то другой центр может в этом смысле сравниться с Парижем… Мне бы очень хотелось, чтобы ты увидел выставку “Peintres-Graveurs Français”, которая, к сожалению, закончилась 20 марта. Здесь был представлен целый ряд великих живописцев и графиков. Таких, как Уистлер, Тулуз-Лотрек, Каррьер, Зорн, Роден, Дега, Пикассо, Матисс и другие”.

Андрус Йохани (1906-1941) родился в Таллинне в семье сапожника. После окончания начальной школы изучал декоративную живопись в Таллинском государственном художественно-промышленном училище и с перерывами – живопись в школе Паллас под руководством Адо Ваббе. Затем работал свободным художником в Тарту. Йохани совершенствовал свои навыки в Москве, Берлине, Париже, Амстердаме. Во время Второй мировой войны принимал участие в обороне Тарту, попал в плен и был казнен немцами в августе 1941 года.

Источники:
“Eesti kunstnikud Pariisis” (Reet Mark, Reet Pulk-Piatkowska). С книгой можно ознакомиться в библиотеке художественного музея KUMU.

Текст: Дина Малова

The post Картина недели | Андрус Йохани “Вид на мост через Сену” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет”

wonderuum — Thu, 21 Jul 2022 19:37:06 +0000

Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет”

“Желтый свет” (1974) Людмилы Сийм можно назвать одним из лучших произведений художницы, созданных в период ее проживания в Эстонии. Дизайнер украшений Кайе Партс (1940) и ее новорожденный сын изображены на картине в образе Мадонны и дитя. Фигуры смещены в сторону, а большую часть работы занимает красочная композиция, состоящая из архитектурных элементов. Позади виднеется слегка волнующееся море. Пространство на картине динамично, в то время как фигуры кажутся застывшими навечно.

Замысел этой работы состоит в том, что на фоне меняющегося мира постоянным остается лишь одно: мать и дитя. На картине изображены архитектурные элементы из разных исторических периодов – мы видим череду стилей от античности, ренессанса и барокко вплоть до бетонных конструкций. Между тем изображение матери и ребенка с неизменным постоянством присутствует в художественных произведениях на протяжении всей истории искусства.

Людмила Сийм родилась в 1938 году в Алма-Ате. Ее предки – дедушка и бабушка – покинули Эстонию в 1912 году в поисках своего места под солнцем. В 1945 году семья вернулась в Эстонию. В 1958 году Людмила Сийм закончила Тартускую художественную школу и стала изучать живопись в Эстонском государственном художественном институте. В 1965 году она окончила институт. С 1968 года художница стала участвовать в художественных выставках. С 1971 года она является членом Союза художников Эстонии.

Текст: Дина Малова

Источники:
Брошюра с выставки “Ludmilla Siim. Olemise helk”
ARTISHOK Intervjuu Ludmilla Siimuga (2011)
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991. II osa”. Jaak Kangilaski

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Конрад Мяги “Портрет норвежской девочки”

wonderuum — Sun, 19 Jun 2022 20:12:10 +0000

Картина недели | Конрад Мяги “Портрет норвежской девочки”

На картине изображена Герд Эгеде-Ниссен, 14-летняя дочь деятеля норвежского рабочего и коммунистического движения Адама Эгеде-Ниссена. Позже девочка стала знаменитой актрисой.

Конрад Мяги всю жизнь писал портреты, чаще он выполнял их на заказ, но иногда и сам выбирал моделей, отдавая предпочтение евреям, цыганам и представителям других культур. “Портрет норвежской девочки” (1909 год), вероятно, не был заказной работой, так как позже Мяги отправил эту работу в Эстонию. Художник был знаком с семьей девочки, поэтому вполне вероятно, что он сам предложил написать картину.

Наследие Мяги насчитывает немало детских портретов, но в этой работе художник с особым трепетом отнесся к волосам девочки. На его других женских портретах они обычно едва заметны: либо короткие, либо собраны, или же вовсе спрятаны под шляпой или другим головным убором. Но написанная в Норвегии картина совсем другая – эта картина о волосах.

Стоит отметить, что в конце XIX века подобное внимание к волосам не было редкостью. По мнению художников, стремившихся в своем творчестве вернуться в дорафаэлевское время, именно в волосах скрывается настоящая тайна. Сложная структура, непроходимый лабиринт, абстрактная фактура – во всем этом есть что-то таинственное и в то же время совершенное. Для многих художников (таких, как Эдвард Мунк) женские длинные распущенные волосы были настолько мощным знаком, что с его помощью показывали не только эротические фантазии, но и полное подчинение мужчин неземной силе. Картина Мяги, разумеется, далека от эротики, но при этом волосы на этом портрете нереалистичны – слишком длинные, слишком густые, слишком рыжие, слишком значительные, они намеренно вынесены на передний план, а не спрятаны за спиной.

Красный цвет

Обращает на себя внимание и концептуальность цвета. Для Мяги было характерно использовать богатую палитру красок – на одном квадратном сантиметре он мог использовать десятки разных оттенков. Однако в этой работе художник в основном использовал различные тона лишь одного цвета – красного. Длинные рыжие волосы, подвязанные красные банты, за спиной девушки изображены ковры с орнаментом красных оттенков, ее платье тоже красного цвета, и даже на кружевных полосках есть вкрапления красного цвета. Если присмотреться, то заметно, что и на щеках у девушки красный румянец.

В творчестве Мяги акцент на одном цвете встречается нечасто. И хотя красный, как и любой другой цвет, имеет символическое значение (например, этот цвет может быть связан с политическими взглядами отца девушки), в данном случае художника, скорее всего, мотивировало не символическое значение, а стремление полностью отделить цвет от изображаемого объекта и тем самым сделать определяющим в этой картине именно цвет, а не мотив.

Подробнее о творчестве Конрада Мяги читайте в статье Картина недели | Конрад Мяги “Мотив Вилсанди”.

Текст: Дина Малова

Источник:
Kumu Ajaveeb

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Конрад Мяги “Портрет норвежской девочки” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Эльмар Китс “После обеда”

wonderuum — Fri, 22 Apr 2022 19:20:27 +0000

Картина недели | Эльмар Китс “После обеда”

На картине Эльмара Китса “После обеда” (1944) торжествует красота, радость и мода. Все это резко контрастирует с историческим фоном момента создания произведения – сменявшими друг друга оккупациями и разрушительными боями в Эстонии в 1944 году. “После обеда” – это нарисованная в светлых тонах сцена летнего беззаботного дня. О войне и разрушениях в Тарту говорит лишь Яановская церковь без шпиля. На первый взгляд, на полотне изображена самая обычная ситуация, но в произведении собрано множество подсказок, указывающих на значимость довоенной культуры и напряженную обстановку в прифронтовом городе. Художник осознанно выбирает, на чем сделать акцент – натюрморт на столе он изобразил блестяще и легко, но не придавая этому особого значения. Все внимание художника было обращено на создание общей атмосферы. Черное пятно в углу картины – волосы одного из персонажей – изображено не для передачи формы, а для общего настроения произведения.

Эльмар Китс (1913-1972) – один из наиболее ярких талантов в эстонской живописи, которого можно сопоставить с такими мастерами, как Конрад Мяги, Адамсон-Эрик и Каарел Лийманд. В его творчестве в первую очередь привлекают внимание чисто живописные достоинства: редкое чувство цвета и тонкий вкус, гармоничность колорита, живость кисти, импрессионистическая свежесть и нюансированность исполнения, разнообразие цветовых решений. Стоит отметить мастерство рисунка и композиции, в котором не всегда столь сильны колористы.

За всем этим – необычайно чуткая и богатая личность, которой одинаково свойственны непосредственная передача природы и условность, поэтизация обыденного и выражение своих мыслей и переживаний.

Художник родился 27 апреля 1913 года в Тарту. Осенью 1935 года он поступил в тартускую высшую художественную школу “Паллас”, где его очень быстро перевели в ателье живописи профессора Адо Ваббе. Ваббе привил своему ученику чуткое отношение к эстетической стороне произведения. В своих работах Китс сначала поддался манере, распространенной среди палласовцев и сложившейся под влиянием Каарела Лийманда и Андруса Йохани. Для нее характерны романтическая светотень, мягкие переходы, широкий мазок и теплый колорит. С другой стороны, на творчество Китса большое влияние оказало лирическое и интимное, близкое к природе направление, связанное с традициями французского импрессионизма, которое было созвучно жизнеощущению и художественным взглядам палласовцев второй половины 30-х годов.

С 1943 года Китс создал ряд работ, изображающих мир театра, прежде всего, балерин театра “Ванемуйне”. Наиболее интересна “Ночная хабанера” (1944) со стилизованными фигурами, которые образуют на светлом фоне экстравагантный, динамичный силуэт. Маленькие нервные мазки, дрожащий свет создают таинственную, оживленную атмосферу.

После войны Китс был вовлечен в советскую художественную жизнь: его пригласили выступить на выставке в Москве, для которой в 1945 году он выполнил ряд интересных работ. В последующие годы художник был то на вершине успеха, то в опале.

К примеру, он входил в группу художников, работавших в восстанавливаемом театре “Эстония” над плафонной росписью, которую надо было завершить к 1947 году. За нее Китс был удостоен государственной премии, но уже вскоре подвергся нападкам критики в ходе кампании по разоблачению буржуазных националистов и импрессионизма.

В 1949 году кафедра монументальной живописи Тартуского художественного института, где преподавал Китс, была ликвидирована, а его вынудили опубликовать в прессе обращение с осуждением своего прошлого.

В последующий период Китс жил на заработок от заказных работ, и в 1950-е годы обратил на себя внимание трудоемкими реалистическими, романтическими или кичевыми пейзажами, натюрмортами и портретами, которые зачастую перерастали в масштабные интерьерные виды. Именно в них Китс продолжил традиции классического импрессионизма в изображении интерьера.

В 1958 году в его работе начался новый период: он пытался преодолеть статичность и нормирующие рамки изобразительного пространства, создавая оригинальный полуабстрактный художественный язык. Персональная выставка Китса в Тарту в 1966 году, на которой было представлено абстрактное творчество художника, произвела фурор. Но уже в следующем году его выставка в Таллиннском доме художника была закрыта по требованию властей. Отношения с ними помогла наладить полуабстрактная живописная композиция 1970 года, изображающая Ленина, но эта заказная работа не помешала Китсу продолжать заниматься беспредметной живописью.

В 1980 году художник Тийт Пяэсуке наткнулся в художественном каталоге на произведение Эльмара Китса “Молодой скрипач” (1956) и создал свой аналог картины, изобразив на ней своего сына (“Мальчик со скрипкой”).

Текст: Дина Малова

Источники:
“Поэтика рубежей. Эстонское искусство 1918-2018” Эха Комиссаров (2018)
Elmar Kits (1973)
“Elmar Kits” Kulles Liina (1988)

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Эльмар Китс “После обеда” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Яан Элкен “Чайка”

wonderuum — Sun, 13 Feb 2022 11:54:33 +0000

Картина недели | Яан Элкен “Чайка”

На первый взгляд, на написанной в 1982 году картине Яана Элкена не изображено ничего необычного – покидающий порт паром и устремившаяся вслед за ним чайка. Однако на самом деле птице лететь некуда, поскольку небо, море и паром “Георг Отс” – ненастоящие, в действительности это лишь нарисованное на стене изображение. В целом пейзаж выглядит очень реалистично, но нанесенные художником тени, отбрасываемые чайкой, указывают на метафоричность картины.

Паром “Георг Отс” – это настоящий символ советской эпохи в Эстонии, это была единственная прямая связь не только с Финляндией, но и со всей западной культурой, которую в то время символизировали северные соседи. Однако попасть на судно могли лишь единицы, получившие особое разрешение Советского Союза.

У Элкена “Георг Отс” – это своего рода фантом или корабль-призрак, ловушка для наивных душ. Произведение показывает, что идти некуда, а за этим пространством ничего нет. Согласно такой интерпретации, художник придал своей картине дополнительное значение, используя трюк гиперреализма.

Интересно, что когда Элкен писал “Чайку”, он работал в качестве эксперта по искусству в порту. На его территории служащие могли передвигаться только до границы, однако паром, открывающий путь на Запад, был на расстоянии вытянутой руки.

Элкена называют городским поэтом и живописным гиперреалистом, для его работ характерно использование ледяного белого цвета, который получается в результате сочетания ультрамарина и серебристо-белого. Кроме того, он размывает фотографические мотивы и дополняет их абстрактными разноцветными поверхностями. При этом зачастую в работах художника присутствует не просто городской мотив, а социально-критическое содержание.

Гиперреализм

Гиперреализм был популярен в Советском Союзе в 1970-е годы, а прорыв этого направления в Эстонии произошел в 1975 году на молодежной выставке. В течение последующего десятилетия техника стала очень популярной и принесла самые разнообразные плоды. С одной стороны, имитация фотографии была модным стилевым приемом, который позволял переиграть требования реализма, предъявляемые искусству соцстран. С другой стороны, фотография стала средством трансляции современного мировосприятия, которое переплеталось с различными направлениями искусства того времени – концептуальным, метафизическим, критическим, символистским и постмодернистским.

Элкена можно отнести ко второй волне гиперреалистов (первыми были Тыну Вирве и Андо Кесккюла), но зачастую именно работы Элкена “Чайка”, “В Калининском районе” и “Вяйке-Ыйсмяэ” приводят в пример, чтобы охарактеризовать искусство и дух того времени. Все эти произведения были созданы в период с 1978 по 1982 год, когда искусство было в центре всеобщего внимания. И хотя после презентации “Чайки” в 1982 году репродукция картины была опубликована почти во всех газетах, в 1985 году главный редактор журнала “Kunst” Сирье Хельме, выбирая работы для художественного календаря 1987 года, не была уверена, что эта работа будет одобрена Главлитом. Тем не менее через несколько лет картину включили в экспозицию эстонского художественного искусства в Киле и Венеции.

Произведение отображало жизнь в так называемой стеклянной банке, то есть в закрытом обществе. По словам самого автора, уже задним числом он понимает, что такое политическое искусство не заходило за рамки дозволенного, однако тогда нащупать эту грань было очень сложно. При этом Элкен подтверждает, что в то время позиционировал себя как политический художник и следовал определенным идеям, хотя это и было небезопасно.

Работы Элкена (1954) представлены на постоянной выставке советского искусства Эстонии (1940–1991) в Художественном музее Kumu. В начале нулевых картина Элкена “Вечер на Тартуском шоссе” (1981-82) экспонировалась в постоянной экспозиции Третьяковской галереи в Москве.

Текст: Дина Малова

Источники:
Музей KUMU
Ants Juske, Harry Liivrand, Rauno Thomas Moss “Jaan Elken” (2011)
Eesti Kunsti Ajalugu, 1940-1991, II osa
Sirje Helme “101 Eesti kunstiteost”

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Яан Элкен “Чайка” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Рауль Курвиц “Полет пчелиной матки. Каукомиели”

wonderuum — Fri, 31 Dec 2021 12:30:40 +0000

Картина недели | Рауль Курвиц “Полет пчелиной матки. Каукомиели”

Эта картина Рауля Курвица (1961) была написана в 1989 году. В этот период в работах художника особенно заметно проявлялась придуманная самим автором мифология. Он создавал пространство, наполненное символами, у которых нет общепринятого значения. Любимые персонажи Курвица – андрогинные женщины, пчелы, белые бизоны и лунный свет.

На полотне мы видим две фигуры, расположенные крест-накрест. Первый силуэт – молодая девушка в желтом платье. Несмотря на то, что на картине она изображена вниз головой, ее корпус не поддается законам гравитации. Распущенные волосы женщины лежат на плечах, а не притягиваются к земле. Перед ней крест-накрест расположена вторая еще более абстрактная фигура. Показана лишь ее часть, свисающие к земле руки и согнутые в коленях ноги. Фигуры образуют крест, в центральной части которого находится пчела.

Работы Курвица можно назвать типичной “плохой живописью” постмодернизма (намеренный отказ от концепции прогресса и пренебрежение нормами хорошего вкуса). В его стиле отчетливо прослеживается желание уйти от стандартов и сделать что-то новое. Заметно отсутствие тоски по исторической эзотерике. Картина нарисована агрессивными широкими мазками, краска местами стекает, что еще больше усиливает ощущение недосказанности и неопределенности. Персонажи и сюжет – все в этой работе оставляет вопросы.

“Группа Т”

Курвиц пришел в мир искусства с целью его изменить. В 1986 году вместе другими членами “Группы Т” он установил свои картины во дворе музея Адамсона-Эрика прямо в снегу. Практически четырехугольные персонажи на тонких ножках стояли спиной к зрителю, глядя в сторону горизонта. Художник назвал это уходом мастера. Выставка обозначила приход нового поколения в искусство. Помимо Курвица на ней представили свои работы Хассо Крулль, Урмас Муру, Лилиан Мосолайнен и Урмас Микк. К “Группе Т” сразу примкнул архитектор Пеэтер Пере, а также еще несколько художников и творческих личностей. Художники предлагали искусство, которое не ограничивается стилистическими категориями или другими обобщающими понятиями.

Дальнейшая деятельность группы выходила за рамки искусства живописи – они создавали инсталляции, а затем и устраивали перфомансы. Также и Курвиц на какое-то время сфокусировался на исполнении перфомансов. Для перфомансов была характерна связь с происходящими в то время изменениями в музыке. Идентичность группы во многом основывалась на отождествлении с роком и панком. Группа сотрудничала со многими музыкальными группами, например, Röövel Ööbik, J.M.K.E. В определенный период Курвица много приглашали выступать за рубежом, и деятельность художника активно освещалась в медиа.

Курвиц продолжает активную творческую деятельность и сейчас. 28 декабря в таллиннской галерее Solaris открылась выставка его новых работ под названием “Сад красоты без конца и края”.

Источники:
Eesti Kunsti ajalugu 6 köide, II osa (2016)
101 Eesti kunsti teost. Sirje Helme (2017)

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Рауль Курвиц “Полет пчелиной матки. Каукомиели” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце”

wonderuum — Wed, 24 Nov 2021 19:28:55 +0000

Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце”

Несмотря на простоту формы, “Угасающее солнце” Ильмара Малина (1924-1994) – это одно из самых многозначительных произведений в эстонском искусстве конца 1960-х годов. Картина объединяет философский символизм с характерным для того периода интересом к научным спекуляциям, а также микро- и макромирам.

На картине изображена версия конца света – одновременно и на расстоянии, и крупным планом. Телескоп символизирует черная дыра со светящимся краем, а микроскоп – клетчатая структура поверхности земли. Малин показывает, как расширилось человеческое видение в мире, охваченном научно-техническим прогрессом, но в то же время изображает пугающую перспективу мира, который в будущем ждет хаос.

Видение возможного конца света на этой картине – это не тихое угасание, а катастрофа, гибель, пожар. Белое пламя окружает рваные края, за которыми нет ничего, кроме черной пустоты. Это могла бы быть иллюстрация Апокалипсиса, но в отличие от Откровения Иоанна Богослова, здесь нет примирения и победы над темными силами. Скорее наоборот, с точки зрения художника, человечество само виновато в этой катастрофе.

Стоит отметить, что в то время, когда Малин писал эту картину, проблемы человечества отличались от сегодняшних. Загрязнение планеты шло полным ходом, а развитие экономики только способствовало росту масштабов “грязного” производства. Между тем “Угасающее солнце” – это яркая абстракция и с точки зрения современного человека.

Малин – один из немногих художников, на творчестве которого не сказались веяния 70-х годов (поп-искусство, гиперреализм). У него всегда было независимое мышление, он всегда занимался тем, что ему самому интересно, в частности, его вдохновляла невидимая сторона видимого мира.

В 1963 году Малин отправился на химкомбинат в Кохтла-Ярве, чтобы в течение пары месяцев собирать материалы для картин на индустриальную тему. Однако в результате поездка неожиданно для художника задала его творчеству новое направление. Одну ночь он провел во дворе комбината. Было темно, где-то мелькали огни, людей на улице не было. При этом производство продолжало работать, и отдельные рабочие все еще сидели за пультами управления. В этот момент у Малина возникло ощущение, будто он находится в животе существа, а все, что его окружало – это единый организм. Это был первый импульс, после чего художник стал смотреть на происходящие вокруг вещи словно изнутри. В тот период в творчестве Малина стал проявляться интерес к техницизму, а также микро-и макроструктурам.

Поворот в сторону сюрреализма Малин совершил в 1966 году, после поездки к брату в Стокгольм. Там художник познакомился с теорией этого художественного стиля и произведениями сюрреалистов. Увиденное так впечатлило художника, что вернувшись в Тарту, он стал рисовать предметы, которые выглядели, как настоящие, но на самом деле таковыми не были. Как отмечал сам художник, его сюрреалистические изображения создавались в два этапа. Первый – спонтанный и неосознанный. На втором этапе художник выбирал нужный рисунок среди автоматически возникших форм и уже осознанно их дорабатывал.

Ильмар Малин считается патриархом сюрреализма в Эстонии. Его жена Инге Малин, их сын Яан и дочь Леа – все стали известными мастерами живописи. Яан и Леа Малин в своем творчестве не пошли по стопам отца, но и в их работах все-таки присутствуют элементы сюрреализма.

Картина Ильмара Малина “Угасающее солнце” представлена в художественном музее KUMU.

Текст: Дина Малова

Источники:
KUMU Kunstimuuseum. Muuseumijuht (2019)
“Ilmar Maalin” (Park Tiina, 1986, ERR);
“101 Eesti kunstiteost”, Sirje Helme (2017)

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Валве Янов “Рыба Карлова”

wonderuum — Sun, 14 Nov 2021 11:15:11 +0000

Картина недели | Валве Янов “Рыба Карлова”

“Рыба Карлова” – это своего рода символ смелого непризнанного художественного искусства. Это инновационное произведение, ценность которого заключается не в изображении рыбы, а в том, что художница использовала технику коллажа и неприемлемую в то время композицию.

Картина является частью формировавшегося в послевоенный период авангарда. Валве Янов (до 1955 года Мосс) (1921-2003) реалистично изобразила вид на тартуский район Карлова и добавила сказочно парящую в воздухе рыбу, используя технику коллажа. Рыба – популярный мотив в творчестве Янов. Этот мифический персонаж из разных легенд с плоской формой дал ей простор для творческих поисков и возможность использовать разные стили от абстрактного искусства до сюрреализма.

Рыба со всей ее фантастичностью, изображенная на фоне домов Карлова, для художницы более важна и реальна, чем рутина тихих будней в тартуском районе.

Тартуский круг

Карлова – это район с деревянными домами в Тарту, в котором в свое время жили многие художники, и где в середине прошлого века собирались члены Тартуского круга.

Тартуский круг – это арт-сообщество, в котором на стыке 50-х и 60-х годов зародился художественный авангард, входили представители школы “Паллас”, в том числе и Валве Янов. Свое название объединение получило в честь выставки в Тартуской 8-й средней школе, состоявшейся без цензуры и ставшей его единственным общим публичным выступлением. Объединение сыграло важную роль в движении сопротивления в эстонском искусстве. Вопреки тоталитарной системе его членам удалось не только сохранить эстетические ценности, но и модернизировать художественный язык и выразительные средства.

Вопреки тоталитарной системе его членам удалось не только сохранить эстетические ценности, но и модернизировать художественный язык и выразительные средства. Однако официально все эти новшества не принимались и были скрыты от глаз общественности более 30 лет. Публика смогла увидеть работы того периода лишь на выставке в Эстонском художественном музее в 1994 году.

Валве Янов получила художественное образование в Высшей школе искусств “Паллас” и в Тартуском государственном художественном институте в 1938–1948 годах преимущественно под руководством Йоханнеса Выэрахансу, Эльмара Китса и Адо Ваббе. Закончить институт при власти Сталина ей не дали.

В 1969 году Янов стала членом Эстонского союза художников.

Первая персональная выставка работ Янов была представлена в 1971 году в Тартуском художественном музее.

В 2001 году художнице были присвоены Орден Белой звезды IV класса и премия имени Адо Ваббе.

Читайте материал Wonderuum на ту же тему → Картины Вармо Пирка периода его ссылки, которые он присылал своей возлюбленной Валве Мосс (с 1955 года Валве Янов)

Источники:
“101 Eesti kunsti teost” (2017), Sirje Helme

“Tartu sõpruskond ja Ülo Sooster” (2014), Eesti kunstimuuseum

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Валве Янов “Рыба Карлова” appeared first on WONDERUUM.