сюрреализм Archives - WONDERUUM

Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм

wonderuum — Wed, 31 May 2023 10:52:34 +0000

Творчество Людмилы Сийм обращает на себя внимание обилием волшебства, мифов и красок, с помощью которых она показывает публике в том числе природу и мистику Северных стран. Сийм создает работы в разных стилях и на разные темы. На данный момент она написала порядка 400 произведений и приняла участие более чем в сорока выставках.

Людмила Сийм родилась в 1938 году в Казахстане в Алма-Ате. Ее родители работали в ботаническом саду – мать бухгалтером, а отец кузнецом. В детстве художница любила читать самые разные книги – от американской литературы до греческих мифов, и именно последние оказали большое влияние на ее творчество в будущем. В творчестве Сийм обилие волшебства, мифов, красок и всевозможных символов.

Однако предки художницы не всегда жили в Казахстане. Дедушка и бабушка по материнской линии покинули Эстонию в 1912 году, а уже в 1945 году семья вернулась в Эстонию.

Сийм закончила Тартускую художественную школу, а в 1965 году – Эстонский государственный художественный институт, освоив специальность художник-педагог. Прежде чем стать свободным художником, с 1965 по 1969 год она проработала по распределению учителем искусства в Пельгулиннаской гимназии (в то время она называлась 46-я средняя школа).

“Золотая троица”

Среди учеников Сийм были Андрес Тольтс (1949–2014) и Андо Кесккюла (1950–2008), с которыми спустя несколько лет Сийм сформировала так называемую “золотую троицу” местного художественного ландшафта. В фокусе их совместного творчества были городское пространство, анонимность и форма. Втроем они написали картину “Тольтс, Кесккюла, Сийм и другие люди на лодках” (1971). Позже к их компании присоединились Вилен Кюннапу (1948) и Леонард Лапин (1947-2022). Долгое время коллеги советовались друг с другом и обсуждали проблемы искусства.

Сюрреализм и метафизическая живопись

В конце 60-х в искусстве уже отказались от романтизации, вместо этого авторы стали эмоционально отстраняться от изображаемых объектов. Так сформировался образ эстонского искусства, где в приоритете был здравый и рациональный подход к творчеству. А в список обязательной литературы молодых художников того времени зачастую входило произведение Маршалла МакЛюэна “Медиа – это сообщение” (The Medium is the Message).

На фоне творческих поисков в новой реальности возрос интерес к магическому реализму и метафизической живописи. В первую очередь это проявлялось в изображении пространства. Работы Людмилы Сийм – яркий пример такой живописи.

В начале 70-х в своих работах художница уделяла особое внимание пространству. Спорно, можно ли отнести творчество Сийм к гиперреализму, но некоторые мотивы определенно можно отнести к этому направлению. Работы Сийм 70-х годов – это смесь поп-искусства, гиперреализма и метафизической живописи. Результатом этого стала урбанистическое творчество, отображающее многослойный город, где можно увидеть железнодорожные вокзалы и туристов Старого города.

В своих ранних работах Сийм часто изображала людей в красочном пространстве, но все эти персонажи зачастую задумчивы, далеки и холодны – то с отстраненным взглядом, а то и вовсе повернуты спиной. Однако этого не скажешь про портреты ее друзей-художников, будь то Яак Кангиласки или Юхан Вийдинг.

Переезд в Финляндию

Сийм прожила в Эстонии до 1977 года. В этот период она была признанной художницей и участвовала в нескольких местных и национальных выставках. Однако с переездом в Финляндию она была внесена в список запрещенных художников в СССР. Снова представлять свои работы на эстонских выставках она смогла только после распада Советского Союза.

В абстрактных работах последних десятилетий проявляется более экспрессивная сторона. Цветовая палитра и округлые формы создают медитативное отражение внутреннего мира.

Людмила Сийм – художница, которая проявила себя как многогранный автор, создающая работы в разных стилях и на разные темы. На данный момент она написала порядка 400 произведений и приняла участие более чем в сорока выставках.

Другие материалы из цикла об эстонских художницах:

Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране

Карин Лутс стала выдающейся художницей, несмотря на доминирование мужчин в искусстве и необходимость пробивать себе дорогу в чужой стране.

Читать

29/05/2023

Живопись

Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц

Примерно тогда же, когда в Париже живописец Эдуард Мане внедрял в искусство идеи импрессионизма, Юлия Хаген-Шварц совершила не менее важный прорыв -

Читать

22/05/2023

Живопись/Искусство

Малле Лейс: классик эстонского поп-арта

Малле Лейс появилась на эстонском художественном ландшафте в начале 1960-х годов в составе группы художников ANK ’64 и получила славу как новатор

Читать

31/05/2023

Живопись/Искусство

Валве Янов: королева Карлова, ученица Адо Ваббе и муза Вармо Пирка

Творчество эстонской художницы Валве Янов многогранно. Она одна из тех, кто стоял у истоков эстонского художественного авангарда и неотъемлемая часть “Тартуского круга”.

Читать

30/05/2023

Живопись/Искусство

Статья была написана при финансовой поддержке фонда “Капитал культуры”.

Источники:
Брошюра с выставки “Ludmilla Siim. Olemise helk”
ARTISHOK Intervjuu Ludmilla Siimuga (2011)
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991. II osa”. Jaak Kangilaski
ERR. “Kunstiamps. Inimesest järele jäänud maailm“. Maria Helen Känd

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет”

wonderuum — Thu, 21 Jul 2022 19:37:06 +0000

Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет”

“Желтый свет” (1974) Людмилы Сийм можно назвать одним из лучших произведений художницы, созданных в период ее проживания в Эстонии. Дизайнер украшений Кайе Партс (1940) и ее новорожденный сын изображены на картине в образе Мадонны и дитя. Фигуры смещены в сторону, а большую часть работы занимает красочная композиция, состоящая из архитектурных элементов. Позади виднеется слегка волнующееся море. Пространство на картине динамично, в то время как фигуры кажутся застывшими навечно.

Замысел этой работы состоит в том, что на фоне меняющегося мира постоянным остается лишь одно: мать и дитя. На картине изображены архитектурные элементы из разных исторических периодов – мы видим череду стилей от античности, ренессанса и барокко вплоть до бетонных конструкций. Между тем изображение матери и ребенка с неизменным постоянством присутствует в художественных произведениях на протяжении всей истории искусства.

Людмила Сийм родилась в 1938 году в Алма-Ате. Ее предки – дедушка и бабушка – покинули Эстонию в 1912 году в поисках своего места под солнцем. В 1945 году семья вернулась в Эстонию. В 1958 году Людмила Сийм закончила Тартускую художественную школу и стала изучать живопись в Эстонском государственном художественном институте. В 1965 году она окончила институт. С 1968 года художница стала участвовать в художественных выставках. С 1971 года она является членом Союза художников Эстонии.

Текст: Дина Малова

Источники:
Брошюра с выставки “Ludmilla Siim. Olemise helk”
ARTISHOK Intervjuu Ludmilla Siimuga (2011)
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991. II osa”. Jaak Kangilaski

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Людмила Сийм “Желтый свет” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце”

wonderuum — Wed, 24 Nov 2021 19:28:55 +0000

Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце”

Несмотря на простоту формы, “Угасающее солнце” Ильмара Малина (1924-1994) – это одно из самых многозначительных произведений в эстонском искусстве конца 1960-х годов. Картина объединяет философский символизм с характерным для того периода интересом к научным спекуляциям, а также микро- и макромирам.

На картине изображена версия конца света – одновременно и на расстоянии, и крупным планом. Телескоп символизирует черная дыра со светящимся краем, а микроскоп – клетчатая структура поверхности земли. Малин показывает, как расширилось человеческое видение в мире, охваченном научно-техническим прогрессом, но в то же время изображает пугающую перспективу мира, который в будущем ждет хаос.

Видение возможного конца света на этой картине – это не тихое угасание, а катастрофа, гибель, пожар. Белое пламя окружает рваные края, за которыми нет ничего, кроме черной пустоты. Это могла бы быть иллюстрация Апокалипсиса, но в отличие от Откровения Иоанна Богослова, здесь нет примирения и победы над темными силами. Скорее наоборот, с точки зрения художника, человечество само виновато в этой катастрофе.

Стоит отметить, что в то время, когда Малин писал эту картину, проблемы человечества отличались от сегодняшних. Загрязнение планеты шло полным ходом, а развитие экономики только способствовало росту масштабов “грязного” производства. Между тем “Угасающее солнце” – это яркая абстракция и с точки зрения современного человека.

Малин – один из немногих художников, на творчестве которого не сказались веяния 70-х годов (поп-искусство, гиперреализм). У него всегда было независимое мышление, он всегда занимался тем, что ему самому интересно, в частности, его вдохновляла невидимая сторона видимого мира.

В 1963 году Малин отправился на химкомбинат в Кохтла-Ярве, чтобы в течение пары месяцев собирать материалы для картин на индустриальную тему. Однако в результате поездка неожиданно для художника задала его творчеству новое направление. Одну ночь он провел во дворе комбината. Было темно, где-то мелькали огни, людей на улице не было. При этом производство продолжало работать, и отдельные рабочие все еще сидели за пультами управления. В этот момент у Малина возникло ощущение, будто он находится в животе существа, а все, что его окружало – это единый организм. Это был первый импульс, после чего художник стал смотреть на происходящие вокруг вещи словно изнутри. В тот период в творчестве Малина стал проявляться интерес к техницизму, а также микро-и макроструктурам.

Поворот в сторону сюрреализма Малин совершил в 1966 году, после поездки к брату в Стокгольм. Там художник познакомился с теорией этого художественного стиля и произведениями сюрреалистов. Увиденное так впечатлило художника, что вернувшись в Тарту, он стал рисовать предметы, которые выглядели, как настоящие, но на самом деле таковыми не были. Как отмечал сам художник, его сюрреалистические изображения создавались в два этапа. Первый – спонтанный и неосознанный. На втором этапе художник выбирал нужный рисунок среди автоматически возникших форм и уже осознанно их дорабатывал.

Ильмар Малин считается патриархом сюрреализма в Эстонии. Его жена Инге Малин, их сын Яан и дочь Леа – все стали известными мастерами живописи. Яан и Леа Малин в своем творчестве не пошли по стопам отца, но и в их работах все-таки присутствуют элементы сюрреализма.

Картина Ильмара Малина “Угасающее солнце” представлена в художественном музее KUMU.

Текст: Дина Малова

Источники:
KUMU Kunstimuuseum. Muuseumijuht (2019)
“Ilmar Maalin” (Park Tiina, 1986, ERR);
“101 Eesti kunstiteost”, Sirje Helme (2017)

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Ильмар Малин “Угасающее солнце” appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Тийт Пяэсуке “Мальчик со скрипкой”

wonderuum — Thu, 05 Aug 2021 12:04:37 +0000

Картина недели | Тийт Пяэсуке “Мальчик со скрипкой”

Один мальчик играет на скрипке, и птица села на его руку. Похоже на романтическую композицию – птица, молодой человек и музыка. Но на самом деле произведение Тийта Пяэсуке “Мальчик со скрипкой” – это сюрреалистическая картина, в которой зашифровано множество значений.

Эту работу Пяэсуке можно сравнить с произведением Элмара Китса “Молодой скрипач” (1956). В данном случае визуальная парафраза неслучайна. Очень похожа композиция, на связь картин указывают и детали – перед обоими мальчиками на зеркальном столике/табуретке лежит художественный альбом.

Однако на этом параллели заканчиваются. Молодой человек Китса – старательный ученик, внимание которого сфокусировано на нотных листах. А мальчика Пяэсуке игра на скрипке не заботит, его взгляд направлен на зрителя, при этом не похоже, что он наслаждается музыкой. В отличие от реалистичной картины Китса, Пяэсуке изобразил постановку, в которой изменено все, что могло быть “настоящим”. Мальчик находится в белой комнате, перед ним белая табуретка, его куртка тоже частично белого цвета. Но это не абстрактная белая пустота, а пространство, наполненное неожиданными странными деталями, такими как торчащий из стены сосуд, непонятно откуда падающая тень и небольшая часть неизвестного нам объекта. Всего одна треть композиции наполнена интенсивным цветом. При этом неясно, где находится скрипач, он будто на границе двух пространств. И что находится за дверью (обратите внимание на ручку среди ярких цветов)?

Художник не обязан давать всему объяснение, у работы может быть множество интерпретаций. Он и сам отметил, что картины не должны легко считываться: “Не хотелось бы, чтобы каждая деталь была чистым символом или знаком, чтобы можно было легко все объяснить. Тогда произведение потеряет свое очарование”. Тем не менее в видеотуре по выставке „Без ностальгии“ в Тартуском художественном музее автор рассказал, как писалась эта работа.

“Я начал создавать портрет своего сына. Это был 1980 год. Тогда ему было 9 лет. Он изучал игру на скрипке в музыкальной школе. Мне казалось скучным просто рисовать портрет, и я наткнулся на картину Элмара Китса “Молодой скрипач” в каком-то старом, возможно русскоязычном, черно-белом каталоге. И мне пришла мысль создать диалог двух картин. При этом я даже не знал, какого цвета работа Китса”, – отметил Пяэсуке.

Диалог стал выстраиваться в процессе создания картины. Оба героя держат в руках скрипку. Мальчик Китса одет в штаны послевоенного времени и ветровку, а сын Пяэсуке – в джинсы и более модную куртку. На картине Пяэсуке у мальчика отстраненный взгляд и нет особой радости в глазах, и как отметил художник, его сыну не очень нравились занятия музыкой, поэтому он придумывал разные уловки, чтобы избежать уроков. Он часто забывал футляр со скрипкой на автобусной остановке, но мама каждый раз его находила и приносила назад.

“На картине Китса мальчик отражается в зеркале, а у меня – я жил в то время в Ыйсмяэ – открытая дверь на балкон в панельном доме, за которой для мальчика существовало много соблазнов. Трагичности добавляют небольшие детали – падающий сосуд, часть надувного матраса. Все эти вещи мне как художнику о чем-то говорили, и хорошо, если зритель тоже чувствует этот контакт”, – добавил он.

В 1980 году, когда была написана картина “Мальчик со скрипкой”, художник получил травму: он нырял в Черном море, и волна ударила его о скалу и раздробила лопатку. Связанные с этой травмой мотивы наблюдаются в ряде картин художника.

Тийт Пяэсуке родился 22 декабря 1941 года в Пылтсамаа. Художник был удостоен многих наград, в том числе в 2021 году ему вручили государственную культурную премию за дело всей жизни.

Источники:

“101 Eesti kunsti teost” (Сирье Хельме)
Видеотур Тийта Пяэсуке по выставке „Без ностальгии“ в Тартуском художественном музее

The post Картина недели | Тийт Пяэсуке “Мальчик со скрипкой” appeared first on WONDERUUM.