живопись Archives - WONDERUUM

Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем”

wonderuum — Fri, 07 Jun 2024 17:29:29 +0000

Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем”

В этот раз предлагаем обратить внимание на картину Йоханнеса Гринберга “Втроем”. Это произведение, созданное в конце 1930-х годов, накануне Второй мировой войны, представляет собой великолепный пример эстонской живописи того времени, для которой характерны высокий уровень и насыщенность новыми идеями. Новые направления от посткубизма до новой вещественности быстро сменяли друг друга. Однако интерес к французскому импрессионизму оставался сильным, и художники продолжали восхищаться тонкостью и мягкостью тонов в работах Пьера Боннара и Эдуара Вюйяра.

Гринберг, получивший образование в свободных академиях Парижа и хорошо знакомый с французским искусством, нашел в этом стиле поддержку для своего творческого переосмысления. Картина “Втроем” 1939 года написана в светлых тонах, а контуры фигур словно растворяются. Желтые, зеленые и голубые оттенки оживляются красным пятном в центре композиции, привлекая внимание к лицам женщин. Темные шляпы создают контраст, добавляя изображению глубины. Особенность этой картины в том, что она написана на фанере, а не на холсте, но благодаря высокому содержанию масла краски выглядят легкими, почти акварельными.

На картине не сразу понятно эмоциональное состояние женщин. Они как будто смотрят в одну точку, но их взгляды обращены внутрь себя, не выражая интереса к окружающему. Несмотря на светлые тона и красоту изображённых женщин, в картине ощущается некое беспокойство или даже напряжение, скрытое за мягкими выражениями лиц. “Втроем” – одна из самых красивых и завершённых работ Гринберга, она отражает его чувствительный и лирический стиль в предвоенный период.

В этот период Гринберг предпочитал композиции с двумя-тремя фигурами, часто изображая женщин или женщину с ребёнком. Театр и актрисы также стали его любимыми темами, что позволило ему передать тонкую чувствительность и лёгкую незавершённость.

Сам Гринберг был человеком с очень тонкой душевной организацией, что нашло отражение в его творчестве. Его называли художником, воплотившим дух времени, хотя он вряд ли мог предвидеть трагедии, которые ожидали впереди. В первые годы оккупации Гринберг продолжал работать и даже был приглашен преподавать в Государственную школу прикладного искусства имени Яана Коорта, где стал популярным педагогом. Однако после войны его художественные интересы не совпали с требованиями нового режима. В 1951 году его исключили из Союза художников и лишили мастерской. Художник покинул город, а его смерть была условно определена на 29 ноября 1951 года.

Текст: Дина Малова

Источники:
“101 Eesti kunsti teost”, Sirje Helme

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Йоханнес Гринберг “Втроем” appeared first on WONDERUUM.

Йоханнес Миккель – единственный коллекционер, именем которого назван музей в Эстонии

wonderuum — Sat, 30 Mar 2024 17:34:30 +0000

История коллекционирования продолжается несколько тысячелетий. Само слово “коллекция” было введено в употребление известным римским оратором Цицероном и означало “собрание разрозненных предметов в единое целое”.

Если обратиться к европейскому арт-рынку, окажется, что коллекционеры – его ключевые участники, потому как фактически именно коллекционер является посредником между художником и аудиторией.

Зачастую именно благодаря коллекционерам произведение переживает не одно столетие и становится известно общественности. Еще в Древней Греции коллекционирование стало довольно популярным занятием, когда представители знати снимали копии с лучших статуй для своих коллекций, и именно благодаря этим копиям мы теперь имеем представление об утраченных оригиналах.

Однако когда мы говорим про коллекционеров художественных произведений, порой создается впечатление, что в Эстонии такое занятие как минимум не популярно. Это далеко не так.

Один из ярких примеров – Йоханнес Миккель. Он родился в 1907 году в волости Мякса Тартуского уезда и после окончания 1-го коммерческого техникума в Тарту слушал лекции по философии, литературе и истории искусства в Тартуском университете. Про себя он говорил, что по профессии он коммерсант, но по призванию – философ.

Свою первую коллекцию Йоханнес Миккель начал собирать в студенческие годы, когда антикварные магазины были полны произведений искусства прибалтийских и русских дворян. Миккелю удалось приобрести ценную библиотеку, около 360 страниц старинной графики (Альбрехта Дюрера, Мартина Шонгауэра, Маркантонио Раймонди, Рембрандта и др.) и ряд ценных картин. Но его первая коллекция была уничтожена во время Второй мировой войны.

В 1944 году Миккель переехал из Тарту в Таллинн. До выхода на пенсию в 1978 году он работал заведующим в различных магазинах. В то же время интерес к коллекционированию произведений искусства сохранялся. Миккель посещал антикварные магазины в Ленинграде, Москве, Киеве, Тбилиси и даже в Средней Азии. Прежде всего он интересовался старинной графикой и живописью, а также китайским, русским и западноевропейским фарфором и керамикой.

Его коллекция гравюр – одна из самых ценных в Эстонии, в том числе четыре офорта Рембрандта, работы Дюрера и Пиранези.

Одной из самых загадочных работ (с точки зрения легенды происхождения) является, несомненно, картина “Ужин в Эммаусе” неизвестного автора. Миккель полагал, что это одна из ранних работ самого Веласкеса. А легенда о том, как эта работа через антикварную лавку и хуторской хлев попала в коллекцию Миккеля из мызы Ууэ-Суйслепа, напоминает детективную историю.

В его коллекции были и произведения эстонского искусства. В нее вошли шедевры классиков: “Пейзаж Оберстдорфа” Конрада Мяги (1922-1923), “Хутор на берегу” Кристьяна Рауда (1938) и “Портрет Марии Ундер” Антса Лайкмаа (1915).

Собирать произведения искусства в советский период было делом далеко не безопасным, и Йоханнес Миккель всегда находился под пристальным вниманием соответствующих органов, потому что торговля искусством считалась спорной и подозрительной деятельностью. Вся его коллекция размещалась в трехкомнатной квартире в типовом квартирном доме, т.н. хрущевке.

Стены были так плотно завешаны картинами, что не было видно даже рисунка на обоях. Внутри больших фарфоровых ваз стояли вазы поменьше, а внутри них винные бутылки – Миккель ценил не только искусство, но и хорошее вино. С невысокого потолка хрущевки свисали большие хрустальные и фарфоровые люстры, рассчитанные на дворцы, так что люстры в квартире приходилось обходить.

В 1990-х годах Йоханнес Миккель решил передать свою уникальную художественную коллекцию в дар Эстонской Республике при условии, что эта коллекция получит отдельный музей. И в середине лета 1997 года в здании бывшей кухни Кадриоргского дворца был открыт музей, посвященный художественной коллекции Йоханнеса Миккеля.

Йоханнес Миккель о себе говорил: “Если ты коллекционируешь искусство, ты не можешь жениться, потому что женщины – это дорого; а если ты любишь фарфор, у тебя не может быть детей, потому что дети и фарфор несовместимы”. Случилось так, что практически вся жизнь коллекционера, всецело посвященная искусству, осталась в эстонском собрании художественных произведений в виде Музея Миккеля.

Текст: Ирина Данилова
Фото: Ирина Данилова, Владислава Снурникова

Материал подготовлен в рамках летнего Медийного марафона “Гражданские журналисты – для СМИ”.

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Йоханнес Миккель – единственный коллекционер, именем которого назван музей в Эстонии appeared first on WONDERUUM.

Малле Лейс: классик эстонского поп-арта

wonderuum — Wed, 31 May 2023 20:41:39 +0000

Малле Лейс появилась на эстонском художественном ландшафте в начале 1960-х годов в составе группы художников ANK ’64 и получила славу как новатор в области традиционных жанров. Прежде всего она известна как автор композиций цветов и растений, написанных в своем неповторимом стиле, близком к поп-арту.

Художница родилась 9 июля 1940 года в Вильянди. В 1967 году она окончила Государственный художественный институт ЭССР по специальности “сценография”, близкой скорее к дизайну, чем визуальным искусствам, но в дальнейшем получила признание прежде всего как живописец и график.

Вместе с Юри Арраком, Марью Мутсу, Тынисом Винтом и другими эстонскими художниками Лейс входила в основанную в 1964 году художественную групу ANK’ 64, которая сформировалась под влиянием молодежной культуры начала 1960-х годов, опиравшейся на образцы поп-арта и англо-американской культуры. Эти влияния повлекли за собой образование нового живописного языка, который четко прослеживается и в работах Лейс.

К 1968 году Лейс окончательно сформировала свой стиль, который главным образом основан на изображении растений и цветов. До этого цветы в эстонской живописи изображались в основном исходя из принципов импрессионизма. В работах Лейс на смену мягкости пришла графическая четкость. Творчество молодой своеобразной художницы сразу привлекло к себе внимание. Написанные ею букеты цветов, порой схожие по мотивам с почтовыми открытками начала века, напоминают своей несколько вызывающей манерой поп-арт. Однако у Лейс трафаретность своеобразно переплетается со стремлением достичь общего эстетического впечатления.

Обращение к растительным мотивам как к одному из центральных в своем творчестве сама Лейс описывала как естественный процесс: “Постепенно пришло понимание, что растения позволяют делать то же, что и геометрические формы или средства абстрактного искусства. В живописи все они равнозначны: как написанные люди, так и написанные животные; как строгость геометрии, так и свобода абстрактной живописи”.

В начале 70-х художница начала использовать распространившуюся в эстонской графике новую технику шелкографии. Поскольку в картинах Лейс графический элемент играет довольно большую роль, то её новые работы в технике шелкографии были по своему существу близки картинам, написанным маслом.

В последующие годы Лейс начала создавать и композиции, изображающие людей. Человек на её картинах всегда безличен и часто оторван от конкретной среды или занятий. Во всем этом сказывался протест против бытовавшего в эстонской живописи 60-х годов излишне лирического художественного стиля. Вместо него Лейс пыталась предложить построенное на неожиданных контрастах изображение действительности.

Совершенно новым мотивом в творчестве Лейс с 1972 года становятся лошади. В течение нескольких последующих лет они появляются на её картинках в различных вариациях. В работах, изображающих лошадей, мы сталкиваемся с непосредственным выражением радости существования. Особую праздничность диптиху “Красные лошади” придает широкая лента радуги, извивающаяся на синем фоне неба. В дальнейшем как лошади, так и радуга стали одним из лейтмотивов в творчестве Лейс.

В середине 70-х художницу всё больше привлекают выразительные детали. Всё чаще в её работах встречаются ягоды клубники, цветки клевера, веточки смородины, слива, которые на пустом и открытом фоне картины выделяются особенно ярко. Среди растений можно заметить и ползающих насекомых. В то же время всё изображенное подчинено определенным приемам стилизации – в картинах художницы удивительным образом переплетаются искусственность и натуралистическая достоверность изображения.

Начиная с конца 1970-х годов художница все больше внимания уделяет портрету. Рисуя людей, художница как бы вводит изображаемого человека в свой мир, дополняя изображение элементами натюрморта, уже знакомым по другим композициям, при этом добавляя относящиеся к жизни портретируемых детали фона. По словам искусствоведа Катрин Кивимаа, молодых людей на этих произведениях отличают “современная жизненная позиция, знание моды и экзистенциальная тоска, присущая эпохе”.

Наряду с крупноформатными работами, выполненными в масле или технике шелкографии, Лейс является также автором большого числа акварелей.

Другие материалы из цикла об эстонских художницах:

Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране

Карин Лутс стала выдающейся художницей, несмотря на доминирование мужчин в искусстве и необходимость пробивать себе дорогу в чужой стране.

Читать

29/05/2023

Живопись

Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм

Творчество Людмилы Сийм обращает на себя внимание обилием волшебства, мифов и красок, с помощью которых она показывает публике природу и мистику Северных

Читать

31/05/2023

Живопись

Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц

Примерно тогда же, когда в Париже живописец Эдуард Мане внедрял в искусство идеи импрессионизма, Юлия Хаген-Шварц совершила не менее важный прорыв -

Читать

22/05/2023

Живопись/Искусство

Валве Янов: королева Карлова, ученица Адо Ваббе и муза Вармо Пирка

Творчество эстонской художницы Валве Янов многогранно. Она одна из тех, кто стоял у истоков эстонского художественного авангарда и неотъемлемая часть “Тартуского круга”.

Читать

30/05/2023

Живопись/Искусство

Статья была написана при финансовой поддержке фонда “Капитал культуры”.

Источники:
Sirje Helme “Eesti kunsti 100 aastat”;
Татьяна Зелюкина “Поэтика рубежей. Эстонское искусство 1918–2018”;
Evi Pihlak “Malle Leis”.

Текст: Владислава Снурникова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Малле Лейс: классик эстонского поп-арта appeared first on WONDERUUM.

Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм

wonderuum — Wed, 31 May 2023 10:52:34 +0000

Творчество Людмилы Сийм обращает на себя внимание обилием волшебства, мифов и красок, с помощью которых она показывает публике в том числе природу и мистику Северных стран. Сийм создает работы в разных стилях и на разные темы. На данный момент она написала порядка 400 произведений и приняла участие более чем в сорока выставках.

Людмила Сийм родилась в 1938 году в Казахстане в Алма-Ате. Ее родители работали в ботаническом саду – мать бухгалтером, а отец кузнецом. В детстве художница любила читать самые разные книги – от американской литературы до греческих мифов, и именно последние оказали большое влияние на ее творчество в будущем. В творчестве Сийм обилие волшебства, мифов, красок и всевозможных символов.

Однако предки художницы не всегда жили в Казахстане. Дедушка и бабушка по материнской линии покинули Эстонию в 1912 году, а уже в 1945 году семья вернулась в Эстонию.

Сийм закончила Тартускую художественную школу, а в 1965 году – Эстонский государственный художественный институт, освоив специальность художник-педагог. Прежде чем стать свободным художником, с 1965 по 1969 год она проработала по распределению учителем искусства в Пельгулиннаской гимназии (в то время она называлась 46-я средняя школа).

“Золотая троица”

Среди учеников Сийм были Андрес Тольтс (1949–2014) и Андо Кесккюла (1950–2008), с которыми спустя несколько лет Сийм сформировала так называемую “золотую троицу” местного художественного ландшафта. В фокусе их совместного творчества были городское пространство, анонимность и форма. Втроем они написали картину “Тольтс, Кесккюла, Сийм и другие люди на лодках” (1971). Позже к их компании присоединились Вилен Кюннапу (1948) и Леонард Лапин (1947-2022). Долгое время коллеги советовались друг с другом и обсуждали проблемы искусства.

Сюрреализм и метафизическая живопись

В конце 60-х в искусстве уже отказались от романтизации, вместо этого авторы стали эмоционально отстраняться от изображаемых объектов. Так сформировался образ эстонского искусства, где в приоритете был здравый и рациональный подход к творчеству. А в список обязательной литературы молодых художников того времени зачастую входило произведение Маршалла МакЛюэна “Медиа – это сообщение” (The Medium is the Message).

На фоне творческих поисков в новой реальности возрос интерес к магическому реализму и метафизической живописи. В первую очередь это проявлялось в изображении пространства. Работы Людмилы Сийм – яркий пример такой живописи.

В начале 70-х в своих работах художница уделяла особое внимание пространству. Спорно, можно ли отнести творчество Сийм к гиперреализму, но некоторые мотивы определенно можно отнести к этому направлению. Работы Сийм 70-х годов – это смесь поп-искусства, гиперреализма и метафизической живописи. Результатом этого стала урбанистическое творчество, отображающее многослойный город, где можно увидеть железнодорожные вокзалы и туристов Старого города.

В своих ранних работах Сийм часто изображала людей в красочном пространстве, но все эти персонажи зачастую задумчивы, далеки и холодны – то с отстраненным взглядом, а то и вовсе повернуты спиной. Однако этого не скажешь про портреты ее друзей-художников, будь то Яак Кангиласки или Юхан Вийдинг.

Переезд в Финляндию

Сийм прожила в Эстонии до 1977 года. В этот период она была признанной художницей и участвовала в нескольких местных и национальных выставках. Однако с переездом в Финляндию она была внесена в список запрещенных художников в СССР. Снова представлять свои работы на эстонских выставках она смогла только после распада Советского Союза.

В абстрактных работах последних десятилетий проявляется более экспрессивная сторона. Цветовая палитра и округлые формы создают медитативное отражение внутреннего мира.

Людмила Сийм – художница, которая проявила себя как многогранный автор, создающая работы в разных стилях и на разные темы. На данный момент она написала порядка 400 произведений и приняла участие более чем в сорока выставках.

Другие материалы из цикла об эстонских художницах:

Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране

Читать

29/05/2023

Живопись

Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц

Читать

22/05/2023

Живопись/Искусство

Малле Лейс: классик эстонского поп-арта

Малле Лейс появилась на эстонском художественном ландшафте в начале 1960-х годов в составе группы художников ANK ’64 и получила славу как новатор

Читать

31/05/2023

Живопись/Искусство

Валве Янов: королева Карлова, ученица Адо Ваббе и муза Вармо Пирка

Читать

30/05/2023

Живопись/Искусство

Статья была написана при финансовой поддержке фонда “Капитал культуры”.

Источники:
Брошюра с выставки “Ludmilla Siim. Olemise helk”
ARTISHOK Intervjuu Ludmilla Siimuga (2011)
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991. II osa”. Jaak Kangilaski
ERR. “Kunstiamps. Inimesest järele jäänud maailm“. Maria Helen Känd

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм appeared first on WONDERUUM.

Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране

wonderuum — Sun, 28 May 2023 23:45:22 +0000

Карин Лутс, окончившая художественную школу Pallas под руководством Адо Ваббе, стала признанной на международном уровне художницей, несмотря на доминирование мужчин в искусстве и необходимость пробивать себе дорогу в чужой стране во время войны. Лутс была смелой и решительной в творческом поиске собственного пути и не переставала экспериментировать с методами и теxниками исполнения.

Карин Лутс (1904–1993) родилась в Валгамаа в семье учителя. Школьное образование она получила в Пярну, где ее учителем рисования был художник Константин Сювало. Именно он и посоветовал девушке серьезно заняться живописью. Творческий путь Лутс начался в 1922 году, когда она, не окончив последний класс гимназии, поступила в тартускую художественную школу Pallas – первое художественное учебное заведение в Эстонии, открывшее свои двери в 1919 году. Интересно, что на ее курсе учились только женщины.

На тот момент в эстонском искусстве уже прошел расцвет импрессионизма, но интерес к нему по-прежнему был велик, особенно в кругах художников, связанных со школой Pallas. Завязанные еще до начала Первой мировой войны контакты обрели новый импульс. Педагоги Pallas Антон Старкопф, Конрад Мяги и Адо Ваббе время от времени совершенствовали свои навыки в Германии. И хотя у самой Лутс в то время не было прямого контакта с немецким искусством, среда, пропитанная его духом, безусловно повлияла на развитие ее творчества. Ее первым педагогом по живописи был Конрад Мяги, а после его смерти в 1925 году Лутс стала ученицей легендарного педагога Адо Ваббе.

La Garçonne

В силу своей природной нетерпеливости и склонности к протестам, Лутс не была прилежной ученицей в традиционном смысле. Она охотно переняла принцип Ваббе, который утверждал, что человек мало чему может научиться у других. По его мнению, лучших результатов можно добиться путем развития своей внутренней творческой силы, а это в первую очередь результат активной самостоятельной работы. 7-часовой учебный день был для Лутс невероятно скучным, а 6-летняя учебная программа слишком затянутой, ведь местные педагоги не способны вдохновлять так долго.

Из дневников художницы стало известно, что среди студенток школы Pallas было модно стремление к равноправию с мужчинами – короткие волосы, образование и самореализация. На автопортретах Лутс изображает себя осознанной эмансипированной образованной женщиной нового времени. Ваббе даже иронично называл ее на французский лад la garçonnne. Это слово позаимствовано из романа Виктора Маргерита 20-х годов “Холостячка”.

Уже гораздо позже Лутс хорошо передаст образ женщины-художницы в эстонском искусстве в своей работе 1943 года “Автопортрет”. А картина 1937 года “Художник” подчеркивает противоречивость положения самостоятельной жизни. Лутс изобразила себя в парижской мастерской с богемной атмосферой. Фигура художницы андрогинная, у нее короткая стрижка, надеты клетчатые штаны. На картине она плачет, потому что вместо живописи должна заниматься росписью шелковых платков, чтобы заработать себе на жизнь.

Первая поездка в Париж и Италию

Лутс всегда стремилась узнать что-то новое, ее тянуло за пределы Эстонии в крупнейшие европейские центры искусства. В 1924 году она какое-то время провела в Риге, а еще через год – в Финляндии вместе с выпускницей Pallas Натали Мей. В 1928 году, получив стипендию, Лутс отправилась через Берлин в Париж, в город, в который она неоднократно возвращалась. Позже она признавалась, что, возможно, никогда бы не стала художницей, если бы не жила в Париже в течение того короткого времени. Только в этом большом “вокзале жизни”, в этом месте переплетения множества духовных потоков она набралась мужества, чтобы использовать свою кисть как своего рода оружие.

В Париже ее учителем был живописец Андре Лот, чьи работы передавали утонченную одухотворенность арт-деко. В работах Лутс парижского периода этот стиль прослеживается на картинах с женщинами-куклами с короткими прическами. С ее картин тридцатых годов стало исчезать влияние немецкого экспрессионизма – они стали более живописными, появились перспектива, свет с богатыми оттенками и разнообразная фактура.

Весной 1939 года, получив стипендию Таллиннского женского клуба, Лутс отправилась на пару месяцев в еще одно путешествие – она совершенствовала свои навыки в римской студии Studio Via Margutta, а также посетила Венецию, Болонью, Флоренцию и Капри. На обратном пути Лутс снова оказалась в Париже, где вдохновилась на написание одной из своих самых известных картин “Comédie Française”. О картине с необычной игрой света прожекторов и теней и переданной атмосферой театра много говорили, но найти покупателя так и не удалось. Сейчас работа находится в коллекции Эстонского художественного музея.

Помимо живописи Лутс занималась также созданием театральных костюмов в театре Estonia, иллюстрированием книг и дизайном гобеленов. В 1937 году на Всемирной выставке в Париже сделанный по ее эскизу гобелен “Talu loomad” был удостоен награды. Кроме прочего, Лутс еще и писала. В 1938 году она опубликовала свою первую статью об искусстве, в которой рассказала о таллиннской выставке итальянских художниц в конце 1937 года. В 1940 году художница начала работать педагогом в Высшей художественной школе имени Конрада Мяги. Однако в 1941 году вскоре после бомбежки в Тарту школу закрыли, и Лутс уехала в Таллинн.

Эмиграция в Швецию

Поздним летом 1944 года, опасаясь возвращения советской оккупации, из Эстонии начали бежать десятки тысяч людей, в том числе значительное число талантливых художников. На момент окончания Второй мировой войны Эстонию покинули в качестве беженцев от 70 000 до 90 000 человек, из них треть – в Швецию, а остальные – в основном в Германию. Среди них было предположительно 117 художников и искусствоведов. Если к ним прибавить художников, которые погибли и оставили свои жизни в лагерях и тюрьмах, то эстонское сообщество потеряло за время войны порядка 150 человек.

Еще в апреле Эстонию покинул Эдуард Вийральт, который отправился на выставку в Вену и больше не вернулся, а вместо этого остался жить во Франции. Затем в Германию бежали такие художники как Эндель Кыкс и Пеэт Арен, а в Швецию – Херман Тальвик, Ээрик Хаамер, Яан Грюнберг, Юхан Ныммик и Эдуард Оле. Всего в 1944 году в Швецию прибыли 40 художников, которые начали свою творческую деятельность еще в Эстонии. Среди них была и Карин Лутс, которая вместе со своим мужем, преподавателем славянских языков, Пеэтером Арумаа добралась до берегов Швеции на небольшой моторной лодке.

Творческий путь с нуля

Оказавшись в Швеции, эстонским художникам нужно было заново пробивать себе путь. Чтобы сохранить веру в себя, необходимо было искать новые возможности презентации своих работ, новую публику, новые отзывы, возможности продавать работы, и не только среди своих знакомых.

После эмиграции в Швецию начать все сначала пришлось и Карин Лутс. В 40 лет ее жизнь полностью перевернулась. Лутс поддерживал ее муж Пеэтер Арумаа, за которого она вышла замуж примерно за полгода до эмиграции. Его работа преподавателем в Лундском университете, а затем в Стокгольме позволила художнице сосредоточиться на творчестве. Первое время условия были не самыми лучшими – ящик с инструментами и красками потерялся по пути в Швецию, а покупать все новое было слишком дорого.

Но стоит отметить, что в целом в Швеции к беженцам относились с состраданием, что отражалось и на искусстве. Первая выставка художников-беженцев состоялась уже в апреле 1945 года в Карлстаде, которую помогла организовать Хельге Кьеллин, бывший профессор истории искусства в Тартуском университете. В 1946 году совместно с художниками-беженцами из Латвии и при поддержке шведов была организована большая выставка в престижной галерее Liljevalchs в Стокгольме. На выставке были представлены работы 48 эстонских авторов, в том числе картины Карин Лутс. Там были представлены ее более ранние работы “Автопортрет” (Autoportree), “Девочка с канарейкой” (Tütarlaps kanaarilinnuga), “Овцы” (Lambad) (1942).

Первое время Лутс продолжала писать картины в своем прежнем стиле. Написанные еще в Эстонии работы не отображали военные события, в своем творчестве она сбегала от реальности в свой иллюзорный мир и писала натюрморты, пейзажи и спокойные композиции. Однако в Швеции, когда все эти события остались позади, она написала такие картины как “Беженцы” (Põgenikud), “В укрытии” (Varjendis), “Ночной дозор” (Öövalvel), “Девочка с кошкой” (Tütarlaps kassiga). Все они отображают внутреннее напряжение художницы и трагичность ситуации. В 1946 году тема войны сменилась мотивами лиричных женщин, кошек и голубей.

Лутс внимательно следила за художественной жизнью Швеции и быстро поняла, что свое творчество необходимо менять. Работы эстонцев в стиле нового реализма хотя и были профессионально выполнены, в шведском обществе воспринимались как нечто устаревшее. Искусство в Швеции быстро развивалось и было намного разнообразнее. Было заметно влияние традиций неоэкспрессионизма, а также по-прежнему был актуален сюрреализм, который получил новый импульс в годы войны благодаря притоку эмигрантов. Но Лутс не пыталась стать похожей на местных художников, она искала вдохновение во всей истории искусства.

Был период, когда художница использовала приемы, характерные классическому периоду творчества Пабло Пикассо. В конце десятилетия она создала автопортрет в стиле Пикассо (“Автопортрет”). Но все же в целом для Лутс его стиль был чрезмерно карикатурным, она стремилась к чему-то более элегантному и чувственному. Все это она нашла в творчестве своего любимого художника Массимо Кампильи, который в свою очередь вдохновлялся искусством этрусков. Лутс очаровала простота и чувственность его фигур. Яркий пример работы Лутс, написанной под влиянием творчества Кампильи – картина 1949 года “Летом”. Но были у Лутс и совершенно уникальные работы, например, картина “Рыбачки” (Kalanaised, 1949).

Новые веяния в искусстве 50-х годов: абстракционизм

В 1950 году Лутс снова отправилась в Париж, где вновь почувствовала себя молодой, беззаботной и счастливой. После этого культурные путешествия стали для художницы ежегодной традицией. Ее излюбленными местами были Париж и Италия, где она могла удовлетворить свой интерес к новейшему искусству, а также посещать проходящую раз в два года Венецианскую биеннале. Под впечатлением от разнообразия творческих идей, она написала мужу, что теперь не сможет писать по-старому, но и чтобы заново найти себя, еще нужно проделать много работы.

В середине 1950-х годов, помимо живописи, Лутс приняла новый вызов и стала заниматься графикой, которая впоследствии принесла ей общественное внимание и международное признание.

Между тем в 50-х годах в Европе настал период преобладания абстракционизма в искусстве. Но Лутс была убеждена, что развитие этого жанра приведет к потере индивидуальности художника. Она не хотела “подпевать хору, в котором в какой-то момент перестанет слышать свой голос”.

“С ужасом и пустотой внутри думаю о том, что должна писать абстрактные картины, которые мне совсем не близки… Абстракционизм – это головная боль. Он отвратителен своей пустотой и бессмысленностью”, – писала Лутс в своих дневниках.

Тем не менее, желая остаться на гребне волны, ей все же пришлось заняться абстракцией. Кроме того, в 1960 году Венецианская биеннале (которая всегда была для нее наилучшим примером для подражания) стала своего рода манифестом абстракционизма. Фигуративную живопись можно было увидеть лишь в единичных павильонах Израиля, Венесуэлы и Италии. А в 1962 году абстракционизма стало еще больше. В итоге в начале 1960-х годов Лутс пришла к созданию чисто абстракционистских картин. Особого внимания заслуживают картины “Полет” (Lend) и “Фуга” (Fuuga).

Творческое наследие Карин Лутс в Тартуском художественном музее

Карин Лутс – одна из первых успешных эстонских художниц и определенно одна из наиболее значительных художниц поколения бежавших от войны художников. За рубежом она была одна из немногих, добившихся успеха на международном уровне. В 1963 году Лутс стала членом Союза женщин-художниц Швеции, а в 1964 году – членом Союза художников Швеции. Кроме того, она активно участвовала в выставках наряду со шведскими художниками. В Эстонии после эмиграции о художнице мало что было известно, однако значительно позже творческое наследие Лутс было передано Тартускому художественному музею. В конце 2001 года музей принял порядка сотен картин маслом, а также множество графических и акварельных работ художницы.

Творчеству женщин-художниц постепенно стало уделяться больше внимания лишь со второй половины ХХ века. По историческим и социальным причинам такое искусство считалось второстепенным, и поэтому их произведения, в сравнении с работами художников-мужчин, значительно в меньшей степени представлены как в художественных коллекциях, так и на выставках. В то же время, жизненный и творческий путь таких художниц, как Карин Лутс, подтверждает, что женщины не обязательно были пассивными жертвами общественного строя: они создавали возможности для саморазвития и выражения своего мировосприятия через искусство.

Другие материалы из цикла об эстонских художницах:

Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм

Читать

31/05/2023

Живопись

Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц

Читать

22/05/2023

Живопись/Искусство

Малле Лейс: классик эстонского поп-арта

Читать

31/05/2023

Живопись/Искусство

Валве Янов: королева Карлова, ученица Адо Ваббе и муза Вармо Пирка

Читать

30/05/2023

Живопись/Искусство

Статья была написана при финансовой поддержке фонда “Капитал культуры”.

Источники:
“Karin Luts. Konfliktid ja pihtimused” (Tartu kunstimuuseum, 2005);
“Eesti kunsti ajalugu, 6, 1940-1991, I osa” (Eesti kunstiakadeemia ja autorid, 2013);
Reet Mark, Reet Pulk-Piatkowska “Eesti kunstnikud Pariisis” (Tammerraamat, 2010).

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране appeared first on WONDERUUM.

Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц

wonderuum — Mon, 22 May 2023 13:25:06 +0000

Примерно тогда же, когда в Париже живописец Эдуард Мане внедрял в искусство идеи импрессионизма, Юлия Хаген-Шварц совершила не менее важный прорыв – несмотря на преграды своего времени, ей предстояло стать первой эстонской профессиональной женщиной-художницей.

Юлия Хаген родилась в 1824 году в семье художника неподалеку от Тарту. Начнем с того, что в середине XIX века женщины как в Тарту, так и во всей Балтике, не могли получить профессиональное художественное образование. В Тартуский университет принимали исключительно мужчин. Прием женщин в высшие учебные заведения был запрещен по всей царской России. В 1840-х годах женщин не принимали и в университеты Западной Европы. Да, там была возможность получить образование в частных школах или мастерских художников, но, к сожалению, без дополнительной поддержки обучение за рубежом было семье Хаген не по карману. Стипендию тоже было получить невозможно – в таких конкурсах могли участвовать исключительно мужчины.

Влияние отца

Казалось бы, шансов на художественную карьеру у одаренной девушки не было, и так бы она и осталась с образованием гувернантки (что тоже было доступно далеко не всем), если бы не желание отца сделать из дочери художницу. Для этого он использовал все свои связи и смекалку. Август Маттиас Хаген (1794-1878) был не только художником, но и директором школы рисования Тартуского университета. Он сразу разглядел талант дочери и научил ее базовым навыкам. Когда дело дошло до того, чтобы раздобыть деньги на образование за рубежом, он подал заявку на стипендию без указания имени автора, а соответственно, и без указания пола. Попытка оправдала себя, и якобы мужчина-художник Юлия Хаген в 1846 году начала обучение в Дрездене.

Дрезден и Мюнхен

Дрезден был излюбленным местом среди владеющих немецким языком женщин-художниц. Университет в Дрездене женщин не принимал, однако в городе была возможность пройти обучение в частном порядке в ателье некоторых профессиональных художников. После изучения произведений старых мастеров с августа 1846 по сентябрь 1847 года родственники по материнской линии из знатного баварского рода Паумгартенов пообещали покрыть расходы Хаген на проживание, если она продолжит учебу в Мюнхене.

В середине XIX века Мюнхен был популярным центром среди местных и зарубежных художников. Король Баварии Людвиг I всячески способствовал развитию искусства, и в это время там было множество популярных салонов и сообществ художников (куда, конечно же, допускались только мужчины).

У Хаген была небольшая надежда попасть в Мюнхенскую Художественную академию, ведь несмотря на общие ограничения, с момента основания академии в 1808 по 1837 год туда были приняты в общей сложности 50 женщин. Тем не менее Хаген сообщили, что “академия не занимается женщинами” и посоветовали в качестве учителя живописца Йозефа Бернхардта, который единственный принимал в своем ателье женщин.

Женские акты

В итоге Бернхардт оказал очень большое влияние на развитие художественных навыков эстонской художницы, поскольку у него Хаген писала женские акты. Дело в том, что научиться писать акты необходимо, чтобы овладеть жанром исторической живописи, и с XVIII века эти уроки входили в образовательную программу. Но по этическим и моральным причинам женщины на такие уроки не допускались даже в частных ателье. Именно поэтому Бернхардт просил держать занятия в секрете и тренироваться только за закрытыми дверьми. Несмотря на чувство неловкости, которое художница испытывала во время этой практики, она отмечала в своих письмах, что изучение естественных форм помогло ей написать первые картины.

Спустя время Бернхардт предложил Хаген пойти дальше и начать писать мужские акты, что привело ее в сильное замешательство. На этот раз она собиралась посоветоваться с отцом, но раздумья прервала поездка в Альпы. Вернувшись назад, Хаген уже не появлялась в студии Бернхардта. Официально женщин стали пускать на подобные уроки только в начале ХХ века.

Благодаря родственникам Хаген много путешествовала. С 1848 по 1850 год она посетила Тироль, Зальцбург, Бельгию, Париж, Милан и Венецию. Ее педагоги из Мюнхена порекомендовали художницу работающему в Риме немецкому живописцу Августу Риделю (1799-1883), который согласился взять Хаген под свое руководство. В то время она уже имела заработок, но обучение в Риме продолжила благодаря стипендии Петербургской художественной академии. В Рим Хаген отправилась в 1851 году, там она жила в своего рода коммуне художников – в принадлежащей королю Баварии Людвигу I Вилле Мальта на холме Пинчо.

Помолвка с Гиллом и замужество с Шварцем

Спустя год после переезда в Рим Хаген обручилась с берлинским скульптором Александром Гиллом. Очевидно, между родом Паумгартенов и родом Гиллов была какая-то родственная связь, и хотя мюнхенские родственники одобрили этот союз, эти отношения не одобрял отец Хаген. После поездки к дочери в Рим в 1853 году он месяцами ей не отвечал на письма. Хаген даже просила мать тайно отправить ей необходимые для вступления в брак документы.

1854 год определенно был переломным в жизни Хаген. После конфликта с отцом, смерти сестры и ухаживаний овдовевшего мужа своей сестры художница приняла решение уехать из Рима, разорвала помолвку с Гиллом, вернулась в Тарту и вышла замуж за вдовца – астронома Тартуского университета Людвига Шварца (1822-1894).

Академик портретной живописи в Российской империи

В 1855 году Хаген отправилась вместе с мужем в Восточную Сибирь, где тот осуществлял астрономические и географические наблюдения. Там же родились их первые дети – Эдуард и Густав Людвиг.

В 1858 году Хаген посетила Петербург, где прошла выставка художницы. В том же году несколько ее работ были представлены на выставке в Петербургской академии. Хаген стала второй женщиной-академиком портретной живописи в Российской империи. Интересно, что, несмотря на все ограничения для женщин, она смогла достичь такого признания раньше, чем первый эстонский мужчина-художник – Йохан Кёлер.

Жизнь в Тарту

В 1858 году Хаген вернулась в Тарту, и несмотря на рождение детей, карьеру художницы она не приостановила. В 1863 году семейство снова продолжило свои путешествия, на этот раз по Европе – Шварцу нужно было собирать материалы для докторской диссертации, а Хаген отправилась с ним. В основном они жили в Берлине.

Особенно плодотворными в художественном плане был период с 1872 по 1898 год. За эти 26 лет проживания в Тарту художница написала порядка 500 портретов. Во второй половине XIX века она была одной из самых востребованных портретисток в Балтике. В основном она изображала ученых и мыслителей, с которыми семья Шварц, живя в обсерватории, ежедневно встречалась.

Хаген активно участвовала в выставках Петербургской художественной академии, в выставках в Таллинне, Тарту и Риге. Также она давала уроки живописи. У Хаген было четверо детей: два сына и две дочери, и если исключить путешествия, то она жила в Тарту до самой смерти в 1902 году.

Портреты

Благодаря портретам молодая девушка быстро нашла признание, как восходящая звезда в мире искусства. С годами ее кисть стала более смелой, а стиль стал все больше походить на появляющийся в Европе и России реализм, цветовая гамма официальных портретов художницы осталась сдержанной. Лишь изредка в портретах встречались сильные краски из ее работ на итальянские мотивы. Всего Хаген написала порядка 700 портретов, которые можно найти по всей Европе, а также в Америке и Африке.

“Портрет женщины”

Доподлинно неизвестно, что за женщина изображена на этом портрете, однако рядом с названием есть приписка “Госпожа М в итальянском костюме”. Римский период сильно повлиял на творчество художницы, она написала множество портретов итальянок в ярких нарядах, но мастерство исполнения именно портрета этой неизвестной женщины отмечают больше всего. Одежда и головной убор в итальянском стиле, веер в руках. В этой работе заметно влияние романтизма, который все еще был актуален в живописи и XIX века. Есть и характерные черты появившегося в Германии в начале XIX века стиля бидермейер, когда романтические устремления превращаются в реализм. На фоне темного овала хорошо заметна светлая одежда женщины – кружевной платок, сережки и бусы, яркий узор и ткань юбки.

Цветы и пейзажи

Самые первые картины с изображенными на них цветами (жанр, который в то время был популярен и пользовался спросом) были технически строги и идеально выполнены. Пейзажи художницы, несмотря на то, что были написаны в Италии, Сибири или Эстонии, чаще всего выглядят как импрессионистические этюды. Своеобразными цветовыми решениями художница придавала сочность итальянским просторным ландшафтам и тенистым садам, свежесть сибирским лесам и прохладу эстонским каменистым берегам с приморской атмосферой.

Хаген была очень неординарной личностью с большой силой воли и везением. Она сумела быть и художницей, и матерью в то время, когда женщинам отводилась только одна роль на всю жизнь - работа домохозяйки.

Куратор Мерли-Трийн Эйскоп

История жизни Юлии Хаген дает нам понять, насколько ограничены были возможности профессионального образования женщин в первой половине XIX века. Ее стоит рассматривать как исключение, ее талант был замечен уже в детстве. Благодаря поддержке отца, его профессиональной компетенции, опыту и связям в обществе художников балтийских провинций, у молодой девушки была возможность выбрать профессию, которая была абсолютно недоступна не только ее современницам, но и следующим поколениям. Кроме того, получение образование в Западной и Южной Европе, ее возвращение в Тарту и ее успешная карьера художницы во многом поспособствовали более быстрому появлению профессиональных художниц в Эстонии.

Другие материалы из цикла об эстонских художницах:

Художница Карин Лутс: беженка, пробившая себе путь в чужой стране

Читать

29/05/2023

Живопись

Сюрреализм и метафизическая живопись Людмилы Сийм

Читать

31/05/2023

Живопись

Малле Лейс: классик эстонского поп-арта

Читать

31/05/2023

Живопись/Искусство

Валве Янов: королева Карлова, ученица Адо Ваббе и муза Вармо Пирка

Читать

30/05/2023

Живопись/Искусство

Статья была написана при финансовой поддержке фонда “Капитал культуры”.

Источники:
“Julie Hagen-Schwarz. Eesti esimene naiskunstnik” (Tartmus, 2018)
Merli-Triin Eiskop “Sissejuhatus. Julie Hagen-Schwarz kunstinutee” (Tartmus, 2018)
Dr. Anja Wilhelmi “Kunstniku (eksi)rännakud. Saksa naiste haridusvõimalused 19. sajandi esimesel poolel” (Tartmus, 2018)
Christin Conrad “Tüdruk peaks olema rõõmus, et suudab luua rahuldava portree. Julie Hageni võimalused ja piirangud aktiõpinguteks Münchenis” (Tartmus, 2018)
Sirje Helme “101 Eesti kunstiteost”
“Julie Hagen-Schwarz 1824-1902. Väike baltisaksa kunstialbum (LiteRarity, 2009)
Heleri All “Aktuaalne kaamera” (9.11.17)

Текст: Дина Малова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Первая эстонская художница Юлия Хаген-Шварц appeared first on WONDERUUM.

Лийза Круусмяги размывает границы между живописью и иллюстрацией, вдохновляясь путешествиями

wonderuum — Tue, 20 Dec 2022 22:27:44 +0000

20/12/2022

Лийза Круусмяги размывает границы между живописью и иллюстрацией, вдохновляясь путешествиями

Яркие и веселые персонажи на картинах художницы Лийзы Круусмяги поднимают настроение и помогают взглянуть на жизнь с юмором. Одну из ее работ каждый может увидеть на фасаде здания в таллиннском районе Каламая – на входе в бар Tops. Круусмяги рассказала Wonderuum, как формировался ее узнаваемый стиль, как проходит творческий процесс, и что она хочет изменить в обществе своим творчеством.

– Как формировался твой художественный стиль?

– Он сформировался с течением времени, но основное влияние оказали путешествия. Мое творчество – это сочетание иллюстрации и живописи, так как мне нравится создавать и то, и другое. Я легко размываю границы между этими стилями и быстро переключаюсь с одного на другой. Основной принцип заключается в упрощении. Моя задача – удалить все ненужное и создать ощущение чистоты с помощью цвета и изображения.

– Почему ты занимаешься именно искусством?

– Это язык, на котором я умею самовыражаться и передавать свои мысли. Конечно, в первую очередь, творчество – это чистое удовольствие. В голову приходят различные образы, которые никогда меня не покидают. Именно они становятся началом моих произведений.

– Какие условия идеальны для твоего творческого процесса? Какое-то место, время или ситуация?

– Я рисую либо ранним утром, либо поздним вечером, дома в кровати или на диване, под приятную музыку и в полной изоляции. Тогда я чувствую себя максимально комфортно и могу дать волю полету своих мыслей. Живописью я занимаюсь скорее вечером, когда в студии и во всем здании воцаряется тишина. Я могу отделить себя от внешнего мира и полностью погрузиться в живопись. Однако в течение долгого времени я работать не могу, поскольку как мыслительный процесс, так и физическая работа очень интенсивны.

– С какими вызовами ты сталкиваешься будучи художником?

– Вызовы скорее связаны с поисками всевозможных новых решений – работа с разными материалами и так далее, чтобы не зацикливаться на чем-то одном. Но, на самом деле, у меня нет с этим проблем, ведь чаще всего мне самой хочется пробовать что-то новое и увлекательное. Создание выставок – это тоже всегда сложная задача, поскольку пространство каждый раз новое. Например, в случае с мой последней выставкой я решила, что в галерее нужно придумать нечто большее, чем просто развешанные картины на стене. В галерее нужно создавать мир и для этого существует много интересных решений. Да и в целом рабочие дела всегда преподносят новые задачи. Например, в новом году я буду иллюстрировать детскую книгу.

– Какова роль художника в обществе? Чувствуешь ли ты, что тебе удалось что-то изменить?

– Художник создает визуальную картину мира. То, что мы видим вокруг нас. Иллюстрации доходят до большего числа людей, а забавные персонажи приносят много веселья. В живописи, наверно, более важны цвета и чувства. Возможно, мне удалось поднять настроение людей, подарить миру немного радости?

Лийза Круусмяги (1988) – эстонская художница и иллюстратор. Помимо Эстонии, ее персональные выставки проходили в Португалии, Швеции, Канаде, Японии, США, Литве, Латвии, Германии и Бразилии. Также она участвовала в групповых выставках в Лондоне, Берлине, Словакии, Италии, Финляндии, Южной Корее и России.

Круусмяги изучала живопись в Эстонской художественной академии. Она совершенствовала свои навыки в Школе дизайна Род-Айленда и участвовала в различных программах резидентуры.

Фотографии сделаны на персональной выставке Лийзы Круусмяги в таллиннской галерее Vaal.

Обзор эстонского искусства минувшего года: диалоги между художниками разных поколений и жанров

Ежегодная Весенняя выставка Союза художников в Таллиннском доме искусств - это живой и разнообразный срез искусства, рождающегося в Эстонии на данный момент.

Читать

27/07/2022

Живопись/Скульптура и керамика

Текст: Дина Малова

Фото: Владислава Снурникова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Лийза Круусмяги размывает границы между живописью и иллюстрацией, вдохновляясь путешествиями appeared first on WONDERUUM.

Хрупкость, которая становится храбростью, или Рассуждения о женской силе на выставке в Ласнамяэском павильоне

wonderuum — Thu, 01 Dec 2022 21:08:38 +0000

Обращаясь к внутреннему миру самых хрупких и одновременно самых смелых членов общества – женщин – первая выставка Ласнамяэского павильона Таллиннского Дома искусств задается вопросом: “Осталась ли надежда для прекрасных созданий?”

Женщины в современном мире стали очень активными – они становятся президентами, активно участвуют в политической жизни и выступают за свои права. Но, приобретая больше мужского, не теряют ли они свою суперсилу – хрупкость, которая становится храбростью? Именно так описала главную мысль экспозиции куратор образовательных программ Дома искусств Олеся Качановская-Мюнд.

Выставка состоит из работ местных эстоно- и русскоязычных художников, которые склонны смотреть внутрь себя. Радость, тоску, сомнения и боль женщин они выражают через свои работы. Они не заявляют громко о своих обидах и не борются активно за свои права.

“У нас много интересных художниц, чье творчество крайне социально, они настоящие активисты. Например, Таня Муравская, Кристина Норман, Лийна Сийб – они уже обрели свое место в истории искусства. А представленные на этой выставке художницы чувствуют очень глубоко, но громко об этом не кричат. Пожалуй, за исключением ранних работ Мерике Эстна. В них художница уверена и имеет очень четкую позицию”, – пояснила куратор выставки Тамара Луук.

Однако на выставке представлены не только женщины-художницы. Есть здесь и видеоработы Алексея Гордина, главные роли в которых исполняют женщины. Стоит отметить, что название этой работы Гордина было позаимствовано для заголовка всей экспозиции.

Алексей Гордин “Нет больше надежды для прекрасных созданий” (2012/2022)

По словам Гордина, на этой выставке его видео получило новый фокус, поскольку 10 лет назад, когда создавались эти ролики, художник не заострял внимание конкретно на женском восприятии.

“Главные героини – это действительно девушки, которые ходят по развалинам. Но первоначальная идея была в том, чтобы показать молодых людей, которые заблудились в этих советских развалинах. Это метафора старого устоя, в котором выросло прошлое поколение. И на этом люди пытаются воспитать и своих детей, но ведь такой подход больше невозможен, молодежь уже смотрит в будущее. Поэтому на видеокадрах молодые люди блуждают, как призраки, среди советских развалин заводов, военных частей – всего этого наследия оккупации. Они ищут выход, чтобы перейти на какой-то новый уровень мышления и построить что-то свое”, – рассказал Гордин.

Как и видеоролики Гордина, часть произведений этой выставки была сделана много лет назад, но есть и те, что были созданы специально для этой экспозиции. Например, “Песнь лабиринта” Анны Шкоденко.

Анна Шкоденко “Песнь лабиринта” (2022)

Работа Анны Шкоденко опирается на знакомый нам миф о Минотавре, а конкретно – на историю сына царя Афин Тесея и царевны Крита Ариадны. Когда Тесей был заключен в лабиринт на Крите, где обитал чудовищный Минотавр, Ариадна спасла Тесея, дав ему клубок нити, разматывая который, он нашел выход из лабиринта.

На выставке к мифу отсылают любовное письмо Ариадны, написанное красной неоновой нитью, лабиринт, сложенный из изящных ветвящихся рисунков, и скульптура Тесея, крутящего пируэты в сундуке, словно балерина в музыкальной шкатулке.

По словам Шкоденко, Тесей изображен будто в танце с кем-то вдвоем, но на самом деле он находится полном в одиночестве. Он крутится и наматывает на себя красную нить, запутываясь в ней. А на фоне играет песня Асафа Авидана “Песнь лабиринта” – это обращение Тесея к Ариадне.

“Инсталляция символизирует запутанные и взаимозависимые отношения мужчины и женщины. Мне было интересно, как они связаны и как влияют друг на друга. Ведь по легенде Теcей бросил Ариадну после того, как она оказала помощь. Он скрылся с острова, когда та спала”, – отметила художница. Шкоденко подчеркнула, что миф очень многогранен, а одна из его трактовок говорит о том, что в каждом есть мужское и женское.

“Тесей – это мужчина, который пытается примириться со своим женским началом, зайдя в темноту и хаотичность лабиринта. К тому же миф о Минотавре зачастую используется в психологии – метафора нити Ариадны помогает добраться до того, что скрыто в человеке, помогает распутать мысли, которые накрутились в голове”, – рассказала она.

Таким образом, история, относящаяся к зарождению европейской культуры в том виде, в каком ее видит Шкоденко, подтверждает, что архетипические мифы все еще актуальны и могут вступать с нами в диалог.

Не менее актуальна и “Трибуна” Ану Пыдер. Она похожа на случайно найденный предмет, громоздкий, угловатый и очень обыденный, однако среди экспонатов выставки эта работа обладает наибольшей обобщающей силой: она лаконично и неожиданно раскрывает свое послание, которое способно затронуть каждого.

Ану Пыдер “Трибуна” (2007) и Алис Каськ “Эскизы” (2021)

Произведение Ану Пыдер – это символизирующая власть кафедра. Мы видим, что та ее сторона, которая видна публике – в идеальном состоянии, но с другой стороны трибуна полностью прогорела.

Ану Пыдер – знаковая фигура, представляющая женщин-художниц эстонского искусства. “Художнице самой приходилось быть в подобной роли, когда она самостоятельно растила трех дочерей. Она продолжала творить, показывая миру свое идеальное лицо, а то, какой ценой ей это давалось, очень ярко показывает прогоревшая сторона ее произведения. Это тот случай, когда простая форма настолько ясно передает нужное ощущение, что, увидев этот экспонат, каждый почувствует это напряжение”, – сказала Качановская-Мюнд.

Сама Пыдер ранее описала свое творение очень точно и скромно: “Мысленно “Трибуна” создает два разных пространства: со стороны зрителя это предвкушение, любопытство, с другой же, тыльной стороны – напряжение, пот, страсти, самоутверждение”.

Напротив сожженного дотла оратора за трибуной расположены миниатюрные наброски парадного портрета первой женщины-президента Эстонии, созданные дочерью Ану Пыдер Алис Каськ. В контексте нынешней выставки параллель с выступлением оратора за трибуной, созданной Пыдер, придает дополнительный смысл картине Каськ, и наоборот.

Новая роль женщины в мужском мире отсылает зрителя еще к одному мифу, на котором базируется выставка. Платон в диалоге “Пир” рассказывает миф об андрогинах, предках людей, сочетавших в себе признаки мужского и женского пола. Андрогины были страшны своей силой и посягали на власть богов. В конце концов андрогинов разрубили на две половины. До сих пор эти две половины – мужская и женская – вынуждены искать друг друга, чтобы обрести общее целое и эту силу.

Еще один экспонат выставки – скульптуры Эдит Карлсон – словно ода бытовому счастью сверхсуществ, в котором собрались расслабленные андрогинные исполины платоновского “Пира”.

Эдит Карлсон “Семья” (2019)

“Семья” Эдит Карлсон – это то ли мумифицированные фараоны, то ли возродившиеся динозавры. Они будто бы бесполые, и один из них держит домик с иллюстративной идеалистической семьей. Они воссоединились в единое тело, у которого нет проблем с сексуальностью или полом. Они совершенны и нежно хранят образ старой семьи нашего времени как напоминание о том, что было когда-то.

Скульптуры Карлсон завершают выставку, оставляя открытым вопрос, смещаются ли куда-то аспекты семьи для женщины, которая хочет быть активной? И как мы, женщины, пытаемся взрастить в себе мужскую силу? Наращиваем ее изнутри или берем где-то снаружи, создавая семьи?

В выставке принимают участие Мерике Эстна, Алексей Гордин, Элин Кард, Эдит Карлсон, Алис Каск, Васса Пономарёва, Ану Пыдер, Мария Сидляревич, Анна Шкоденко и Йоханна Ульфсак.

Дополнительная информация

www.kunstihoone.ee

Куратор: Тамара Луук

Выставка “Осталась ли надежда для прекрасных созданий?” будет открыта до 5 февраля 2023 года. Еженедельные обзорные экскурсии на русском языке проводятся по средам в 18:00 часов и по субботам в 15:00 часов.

Павильон Таллиннского Дома искусств в Ласнамяэ расположен на улице Я. Коорти, 24 и открыт со среды по воскресенье с 12:00 до 19:00. Вход бесплатный.

Текст: Дина Малова

Фото: Владислава Снурникова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Хрупкость, которая становится храбростью, или Рассуждения о женской силе на выставке в Ласнамяэском павильоне appeared first on WONDERUUM.

Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу”

wonderuum — Fri, 18 Nov 2022 14:22:39 +0000

Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу”

Что же мы видим на картине Пеэтера Мудиста “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу” (1977)? Человека в зимней одежде, очевидно, ребенка, занятого самым обычным в зимнюю пору делом. С помощью нескольких мазков художник изобразил его в естественной позе, показывающей решительность мальчика. Эта работа лаконична и понятна и не требует дополнительных действий и комментариев. При этом художник выбрал ракурс, с которого перспектива направлена снизу вверх, и мы не можем точно определить, изображен на картине сугроб на обочине дороги или же это большая снежная поляна.

Границы ледяной глыбы размыты, местами она теряет очертания, здесь ускользает ощущение пространства и материальности, а вместо этого полотно равномерно заполнено светлыми оттенками. И именно в этом заключается магия Мудиста. В его работе так много разнообразных оттенков, и на этом фоне выделяется лишь центральная точка – пальто мальчика красноватых оттенков, которое связывает воедино всю картину и выводит фокус на фигуру персонажа.

Однако за изображением этой обыденной ситуации можно увидеть и более глубокий смысл. Точно так же, как мальчишка, бессмысленно пинающий снег от скуки в ожидании трамвая, многие “бессмертные” люди пинают каждый свою кучу льда в ожидании момента своего ухода, не наполняя свою жизнь никаким смыслом.

Пеэтер Мудист (1942 – 2013) – одна из величайших легенд эстонского искусства. Свой особенный стиль живописи сформировался у него к началу 1970-х годов – спустя всего лишь несколько лет после окончания Эстонского художественного института. Этот стиль значительно отличался от всего того, что происходило в мире живописи в то время. Мудисту хватало стойкости быть иным, и эта стойкость обеспечивала ему редкостную внутреннюю свободу.

Изображаемое Мудистом пространство существует на грани реального и нереального. Его стиль даже назвали моделированием воздуха, ведь именно воздух – важнейшая составляющая всех его картин. Он писал как будто “туманные” работы с высокой степенью обобщения, в которых детали не имеют значения. Зато важна роль цвета. У художника была способность растворять цвета друг в друге и избегать острых линий. В то же время с помощью размывания красок и некой неопределенности он мог создавать удивительно точные характеры и ситуации. В этих произведениях нет нравоучений, это лишь рассказанные истории, которые откликаются зрителю на подсознательном уровне.

Стоит отметить, что творчество Мудиста всегда было любимо публикой, а критики в адрес его картин практически не было. Однако в жизни художника не все было так безоблачно. Именно тогда, когда он обрел уверенность в своем творчестве, ему поставили диагноз – болезнь Паркинсона. В течение последних 30 лет он страдал от этого недуга, но все равно продолжал творить и находиться в поиске смысла жизни.

С картинами и скульптурами Пеэтера Мудиста можно ознакомиться на выставке “Пеэтер Мудист – человек, переполненный огнем” в Эстонском национальном музее (ERM) до 15 января 2023 года.

Текст: Дина Малова

Источники:
ERM
“101 Eesti kunsti teost”, Sirje Helme
“Eesti kunsti ajalugu. 1940-1991, II”
“Почему стоит посетить выставку Пеэтера Мудиста”, Ирина Данилова

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Картина недели | Пеэтер Мудист “Бессмертный, пинающий ледяную глыбу” appeared first on WONDERUUM.

Между Мексикой и Эстонией: Мерике Эстна создает произведения искусства, интегрированные в жизнь

wonderuum — Fri, 11 Nov 2022 00:14:51 +0000

Мерике Эстна родилась в Эстонии, училась в Англии, а сейчас много времени проводит в Мексике. Творчество художницы также зачастую выходит за границы холста – мазками своей кисти она охватывает окружающую среду, предметы и даже людей. При этом будучи новатором живописи в своих картинах она использует повторяющиеся элементы и мотивы, основанные на мифологических темах и традициях рукоделия.

Творчество Эстна удивительно разнообразно. Помимо живописи она создает ковры, напольные плитки, инсталляции из стволов деревьев, а может и наоборот создать иллюзию сложенных веток с помощью скульптуры из пчелиного воска. Художница много экспериментирует с разными материалами – наносит татуировки на древесину, прожигает мольберты, создает вышивку на картинах. Свои картины Эстна слой за слоем покрывает разными узорами, и эта техника чем-то похожа на создание многослойного изображения в Photoshop.

Изучая произведения художницы, можно проследить, какие темы интересовали ее на разных этапах жизни. Например, в студенческие годы она создала картину небесно-голубого цвета с белыми голубями и белокурой девочкой, что было характерно для того периода ее творчества. Затем последовал период жизни в Лондоне, который повлек за собой новые приоритеты и поиски близких тем в живописи. С 2016 года Эстна делит свое время между Таллинном и Мехико. По словам художницы, жизнь в разных странах и окружение всегда отражается в ее работах, но при этом она не может указать на прямую связь между каким-то местом и цветом или формой, используемых в ее произведениях. Художница впитывает все то разнообразие, которое могут подарить разные уголки мира, но несмотря на это ее творчество сохраняет свою прочную структуру. А все ее многообразное творчество объединяет тема всеобъемлющего свободолюбия.

Созданные в 2022 году экспонаты “Лесная хижина” и “Человеческое гнездо”, по словам Эстна, посвящены нашему распадающемуся обществу – это рассуждения о том, насколько мы вообще способны к выживанию и что действительно умеем делать. “Человеческое гнездо” представляет собой воображаемое убежище, причудливое изображение архитектуры выживания. И сегодня эта инсталляция с наслоением разнообразных объектов воспринимается как трехмерная картина, персонажами которой являемся мы сами.

Глядя на произведения эстонской художницы, сразу становится понятно, что ее излюбленные темы – это мухи и змеи. Мухи и другие насекомые для Эстны – это не надоедливые существа, а то, что возвращает нас в настоящий момент. Змеи интересуют Эстна как персонажи мифологических мотивов. В старину верили, что в них живут духи предков и их ни в коем случае нельзя убивать. Эти мотивы присутствуют и в монументальной работе художницы с ванной. Для создания экспоната были вручную расписаны порядка 4000 плиток, и для воплощения этого масштабного проекта художница даже привлекла несколько помощников.

Эстна вдохновляется и археологическими находками. Именно так появился гобелен под названием “Дом трагического поэта”, показанный впервые в 2021 году в галерее Bosse & Baum в Лондоне. Отправной точкой при создании произведения стал найденный среди развалин Помпеи Дом трагического поэта – типичный римский дом II века до нашей эры. Находка заинтересовала ученых и писателей из-за несоответствия между небольшим размером постройки и его внутренним убранством – помещения украшены сложными мозаичными полами и фресками, изображающими сцены из греческой мифологии. На входе в дом был рисунок собаки с надписью Cave canem (Берегись cобаки). Эта собака была своего рода охранником дома. Эстна использовала образ этой собаки в одной из своих работ, которую символично расположила на входе на свою персональную выставку в арт-центре Kai.

Мерике Эстна по праву можно назвать одной из самых значительных художниц современного эстонского искусства. Она новатор живописи. Эстна всегда стремилась создавать живые картины, а не просто висящие на стене ценные объекты. Она изначально задавалась вопросом, почему картины нельзя носить, почему на них нельзя сидеть, почему нельзя положить их на пол или сделать из них ванну? Ведь такие вещи способны создавать неуловимую эмоциональную связь, в которой люди нуждаются. И все эти темы очень захватывают Эстна.

В 2022 году с работами художницы можно было ознакомиться на ее обширной персональной выставке “Soil will not contain our love” (“Земля не хранит нашу любовь”). Экспозиция представляла собой обзор творчества Эстна, начиная от детских рисунков до произведений, созданных специально для арт-пространства центра Kai. Посетив выставку, можно было окунуться в особый мир художницы, в котором картины соседствуют с элементами из текстиля, дерева, стекла, керамики и других материалов, а также звуками. На выставке художницы были представлены как новые работы, так и несколько произведений, ранее не выставлявшихся в Эстонии.

Мерике Эстна (1980) окончила бакалавриат Эстонской академии художеств по специальности “живопись” и магистратуру колледжа Голдсмитс в Лондоне по специальности “художественная практика”. Ее персональные выставки проходили в Moderna Museet Malmö, Швеция; в Kunstraum и Bosse & Baum Gallery, Лондон; в центре современного искусства Kim?, Рига; в KUMU и Temnikova & Kasela, Таллин; в Karen Huber Gallery, Мехико, и т.д. С 2017 года она – приглашенный доцент на факультете живописи в Эстонской академии художества.

Дополнительная информация

www.kai.center

Текст: Дина Малова

Фото: Владислава Снурникова

Источники:
ERR, “Aktuaalne kaamera” (“Kai kunstikeskuses avatakse Merike Estna näitus “Muld ei hoia meie armastust“)
ERR, “OP“
Karin Lansoo, ajakiri “Säde” (“Kõik on võimalik”)
Kaasaegse Kunsti Eesti Keskus
Dagmara Genda, Berlinartlink
Arterritory.com (“Безграничность синтеза возможностей“)

Сделайте свой вклад в развитие проекта:

The post Между Мексикой и Эстонией: Мерике Эстна создает произведения искусства, интегрированные в жизнь appeared first on WONDERUUM.